Romper las reglas: el ejemplo de la composición

10 marzo 2016

Si estás realmente interesado en la fotografía, seguramente ya hayas oído hablar de las reglas de composición. ¡Ya sabes, esas reglas que te han permitido hacer tus primeras fotos equilibradas y armoniosas de las cuales te enorgulleces!

Este artículo ha sido escrito por Fabien, de Astuces Photo. En su blog encontrarás muchos consejos para comenzar en el mundo de la fotografía y para mejorar día a día. Actualmente ofrece a sus lectores una guía de 12 puntos clave para hacer buenas fotos.

Si bien es cierto que estas reglas resultan muy útiles cuando recién se empieza a fotografiar, llegará un momento en el que te sientas limitado a la hora de exprimir al máximo tu creatividad. Además, estoy convencido (y no soy el único 😉 ) de que te interesa especialmente saltarte algunas reglas de tanto en cuando.

Eso es lo que te propongo que hagamos juntos en este artículo, a través de cinco casos concretos.

1- Centra el sujeto

La regla de los tercios es un principio de composición muy popular y bastante utilizado tanto por fotógrafos ocasionales como por los ya consolidados. Es muy probable que la regla de los tercios te haya enseñado a componer tus imágenes… Cabe decir que es especialmente eficaz y sencilla de utilizar. Para aquellos que perdieron el tren, aquí va un pequeño recordatorio. Imaginemos que el encuadre de la foto está atravesado por dos líneas horizontales y dos verticales. La regla de los tercios recomienda colocar los elementos interesantes a lo largo de estas líneas o en sus puntos de intersección.

¿Y si al contrario decides centrar el sujeto y apostarlo todo a la carta de la simetría? ¡Esto te puede parecer raro porque has leído u oído que situar el sujeto en el centro de la imagen no es una buena idea! En parte es cierto: si centras los sujetos de forma sistemática, a tus fotos les faltará dinamismo y el espectador se aburrirá rápidamente.

Sin embargo, muchos elementos (tanto naturales como artificiales) presentan una simetría y pueden ser la base de unas fotos satisfactorias. La elección del sujeto es un parámetro determinante para este tipo de fotos. Por tanto, debes priorizar las escenas que tengan una simetría bien marcada. En el momento de encuadrar no hagas las cosas a la mitad: alinea los elementos simétricos con cuidado. El ojo humano tiene la facultad de detectar el menor desequilibrio e interpretará cualquier desvío como una anomalía.

Los edificios, los monumentos y más en general la fotografía de arquitectura se prestan bien a las composiciones centradas. Pero la lista de sujetos potenciales es larga. Si quieres ver algunos ejemplos de lo que se puede hacer, te invito a leer mi artículo, composiciones centradas: controla la simetría.

 

2- Atrévete con retratos sin cabeza

Para hacer un retrato, lo natural parece que es fotografiar la cara del modelo. Se considera que los ojos representan la parte más importante y que hay que hacer el enfoque en ese lugar. El éxito de un retrato tiene mucho que ver con las expresiones de la cara y la emoción que transmite el modelo.

A partir de ahí, ¿te imaginas fotografiar a alguien sin incluir su cara en el encuadre? Pues bien, lo que te propongo hace es sacar retratos sin cabeza. Naturalmente no hablo de decapitar al sujeto: me eximo de toda responsabilidad si sufres un ataque de locura leyendo este artículo 😉 No, aquí me refiero a encuadrar de forma que la cabeza del sujeto no aparezca en la imagen.

Un retrato sin cabeza generalmente no se entiende: es una buena forma de interpelar al espectador, de llevarlo a hacerse preguntas. La atención se dirige menos al sujeto y el entorno ocupa un lugar más importante y puede jugar un rol narrativo. Si no muestras la cara del modelo puedes poner el acento en otros elementos secundarios: un vestido, un accesorio, un tatuaje, etc.

3- Haz un encuadre amplio

¿Sabes cuál es uno de los principales puntos débiles del fotógrafo principiante? ¡Te lo sirvo en bandeja: hacer encuadres muy amplios! El sujeto se ve perdido en la imagen, rodeado de elementos más o menos interesantes. Eso es porque generalmente se recomienda rellenar el encuadre con el sujeto para hacer fotos potentes.

¿Y hacer un encuadre amplio puede ser más bien una punto fuerte que una debilidad? De hecho, no todo es blanco ni negro. Encuadrar ampliamente no necesariamente es malo en sí mismo, pero hay que hacerlo con prudencia. El interés principal de este tipo de encuadre es situar el sujeto en su contexto. Se utiliza a menudo, por ejemplo, en fotografía de animales para poner en contexto el entorno natural en el que vive un animal.

Antes de presionar el disparador tómate el tiempo preciso para analizar correctamente lo que tienes frente a tus ojos. Debes preguntarte si tal o cual elemento presente en el encuadre aporta alguna cosa a la composición o si más bien tiende a desmejorarla. Con experiencia lograrás ver rápidamente si una escena se presta a un encuadre amplio o más cerrado.

 

4- Haz pivotar la cámara

Cuando sacas una foto debes prestar atención a si debes colocar la cámara en posición horizontal vertical. Este tema de la horizontalidad (o la verticalidad) es tan importante que la mayoría de programas de retoque ofrecen una función que permite enderezar una foto inclinada. Parece que sacar fotos “rectas” sería la norma y lo que cabría esperar de una foto correcta.

De nuevo, puede resultar interesante tomarse esta regla justo al revés. ¿Has probado alguna vez a pivotar la cámara para dar con una mejor composición? Si lo haces, estarás jugando con las líneas maestras y darás dinamismo a tus fotos. Observa bien está imagen de al lado: la línea diagonal formada por el tallo de la flor ayuda a reforzar la composición.

Esta técnica funciona también para los retratos, ya sean de familia o más de tipo oficial. A los fotógrafos institucionales les encanta especialmente ilustrar el dinamismo de una empresa y sus colaboradores. En fotografía de paisaje esta técnica es menos habitual porque un horizonte tambaleante es percibido de inmediato como un defecto. ¡Pero eso no debe impedirte probarlo! En este caso, hazlo hasta las últimas consecuencias para que se sepa que se trata de una elección deliberada y no de una falta de precisión durante el enfoque.

5- Utiliza el espacio negativo

El sujeto es el elemento fundamental de una foto. Aunque no pienses en ello de forma sistemática a la hora de presionar el disparador, el sujeto suele ocupar la mayor atención del fotógrafo. Tienes cuidado de colocarlo correctamente en el encuadre para que se destaque, diriges el enfoque a él, ajustas la profundidad de campo en consecuencia, etc.

¿Y si desconectas por un momento del sujeto y le das mayor importancia a lo que le rodea? En fotografía se habla de espacio negativo para referirse a la parte vacía de una foto. Aunque pueda sonar paradójico interesarse en esa zona de la imagen, lo cierto es que es una buena manera de dar originalidad a tus fotos.

Al revés de lo que se podría pensar, la presencia de una gran zona vacía permite reforzar el sujeto. Para ello, haz lo posible para que el espacio negativo sea lo suficientemente neutro y uniforme. El espacio negativo es efectivamente tan eficaz que no entra en conflicto con el sujeto.

Las composiciones usando el espacio negativo son minimalistas y generalmente producen un fuerte impacto en el espectador. En fotografía de paisaje esta técnica puede ser utilizada para dar una impresión de inmensidad. Imagina por ejemplo un barco rodeado de una vasta extensión de agua o cielo “imponente” y de una pequeña porción de tierra en la parte inferior del encuadre.

 

 

¡Ahora tienes algunos ases en la manga para variar un poco tus composiciones y, por qué no, mejorar como fotógrafo! Si te gusta, más adelante voy a ofrecer un artículo del mismo estilo pero para tratar el tema de la exposición.

¿Y tú, ya has intentado transgredir las reglas de composición de forma voluntaria? ¿Te ha satisfecho el resultado? ¡Explícanoslo escribiendo un comentario!

¡Y no olvides compartir el artículo! 🙂

 

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