[Libro] El espíritu del fotógrafo, de Michael Freeman

18 agosto 2015

Autor prolífico de libros de fotografía, entre los cuales se destaca El ojo del fotógrafo: composición y diseño para crear mejores fotografías digitales, Michael Freeman publicó hace unos años El espíritu del fotógrafo, siguiendo la línea del anterior. He aquí los pensamientos que me ha suscitado al leerlo.

Tuve el placer de recibir este libro de parte de uno de los lectores del blog, bibousiq (su verdadero nombre es Habib). ¡Así que te lo agradezco Habib, me hizo mucha ilusión! 😀 Me dije que bien valía una crónica en el blog 😉

Ya desde la introducción, Michael Freeman nos adelanta sus intenciones. En esta obra intenta responder (al menos en parte) a la pregunta que muchas veces le planteamos: “¿qué es lo que hace grande a una fotografía?” El contenido del libro se basa en desgajar 6 cualidades fundamentales de una buena imagen.

También destaca otro aspecto del libro: su recurso constante a incontables referencias. Pero volveremos a ello más tarde.

 

El espíritu del fotógrafo es la continuación de El ojo del fotógrafo, y sin haber leído este último, da la sensación de que es un libro sobre técnicas y principios de un nivel relativamente avanzado. Esto significa que el autor da por supuesto que el lector domina los conceptos de apertura de diafragma, de velocidad de obturación, de profundidad de campo. Pasa rápidamente por las reglas básicas de composición, pero va mucho más allá. Y ese es el interés principal de este libro: lleva su idea hasta las últimas consecuencias, y ofrece múltiples pistas más para reflexionar y para que el fotógrafo amateur se vaya marcando objetivos cada vez más ambiciosos.

 

Así que está claro que si estás comenzando en el mundo de la fotografía, no debes comprar este libro de inmediato. Anota el título, y cómpralo dentro de un año.

Un ejemplo de las imágenes que acompañan al libro (copyright Michael Freeman)

Todas las ideas vienen ilustradas con fotos (espectaculares) del autor, en ocasiones acompañadas de esquemas explicativos (con flechas, colores, etc.) muy pedagógicos. Es uno de los puntos fuertes del libro que además lo acerca y pone al alcance de más gente.

 

 

 

Capítulo 1: La intención

Freeman empieza por el “por qué“, más que por el “cómo”. Si eres un asiduo lector de este blog, esto debería sonarte a algo 😉 De ahí que haya conectado rápidamente con el autor, porque estamos de acuerdo 😀 Podría escribir un tocho enorme para explicar lo que hay en este libro, pero me daría para 10 artículos, así que intentaré ser lo más sintético posible haciendo unas listas 😉 Aquí están las diferentes partes de este capítulo:

  • Los distintos niveles de lectura de un sujeto: ¿qué elegir como sujeto? Más allá del elemento más evidente, también podemos elegir el espacio, el color o un concepto que haga las veces de sujeto. Ideas no tan obvias que pueden darte inspiración para futuras fotos.
  • La apariencia de la belleza: A menudo, buscamos sacar fotos “bellas”. Ésta no es la única opción fotográfica posible, pero a menudo se busca una cierta estética en la imagen. Aquí, el autor se pregunta por aquello que hace que algo sea bonito o no. Habla de conceptos conocidos como el número áureo, las horas mágicas, pero también de otros más avanzados como el contraste, la luz, la saturación…
  • La belleza distinta: Vayamos más allá de la belleza “tradicional” e intentemos comprender cómo se da un cierto aire estético a algo que de por sí no lo tiene (ruinas, paredes destruidas…)
  • Monstruos muertos: Este título enigmático se refiere a una belleza un poco especial, lo sublime, es decir, aquello que nos desborda. Tomemos como ejemplo una tormenta, o la erupción de un volcán: en estos fenómenos existe una belleza inmanente, nos generan una gran fascinación por el hecho de hacernos sentir pequeños. Ofrece algunas pistas para dramatizar este tipo de escenas.
  • Tópicos e ironía: Al fotografiar lugares conocidos por la gente, es fácil caer en los tópicos. Michael Freeman demuestra que a veces se puede encontrar un ángulo de enfoque mejor, o al menos fotografiar de otra manera con tal de evitar los tópicos. Afirma que no es tan grave caer en ellos de tanto en cuando.
  • Elevar lo banal al rango de extraordinario: La fotografía de objetos o de escenas banales de la vida cotidiana también puede resultar interesante. Aquí nos acercamos a la corriente surrealista.
  • La revelación: La idea de esconder la mitad del sujeto de una imagen es muy interesante. El autor explica cómo guiar el ojo a través de la foto para conducirlo al verdadero sujeto en un determinado momento. Incluye un esquema detallado muy interesante del recorrido que hace la mirada por una imagen construida pensando en ello.

 

La lectura de esta primera parte pone en evidencia el gran (y único) defecto del libro: su incesante recurrir a referencias. A menos que tengas una gran cultura artística y un gran conocimiento de la historia de la fotografía, la mayoría de las veces es imposible visualizar el tipo de imágenes a las que el autor hace referencia (excepto en los casos en los que tiene permiso para reproducirla, lo cual suele ser raro). Afortunadamente existe Google, y el autor ha colocado pequeños cuadros que resumen todo lo que podemos buscar en Internet para entenderlo mejor. Esto ayuda, pero no permite encontrarlo todo, y además su lectura no es cómoda. Y sobre todo, en mi opinión, un buen libro debería bastarse a sí mismo.

Reconozco que eso me decepcionó un poco al principio, pero hay que saber darle una oportunidad, porque el contenido que sigue vale mucho la pena. Además, esto te puede permitir descubrir un fotógrafo que te encante, y aumentar tu cultura fotográfica nunca está de más 😉

 

Esta primera parte ofrece muchas pistas útiles para probar diversos tipos de sujetos fotográficos, que pueden ser la base para crear un estilo propio. El estilo, es ahí a dónde nos lleva el autor en el segundo capítulo.

Capítulo 2: El estilo

En este capítulo se aborda una cuestión que casi no se menciona y sobre la cual no encontrarás prácticamente ninguna información en Internet: la presentación de diversos estilos, lo cual implica su creación, las formas distintas de utilizar las técnicas de composición disponibles, todo eso para conseguir un estilo personal identificable (lo que no quita que uno pueda pertenecer a una corriente artística). Es aquí más que en ninguna otra parte, donde entra en juego la cultura fotográfica, que te será muy útil.

 

He aquí las diferentes partes:

  • La gama de expresiones: Este punto trata sobre la influencia que tienen las oportunidades sobre la forma en que uno se puede expresar en fotografía, y sobre aquello a lo que está acostumbrado el “público” (nosotros incluidos), como por ejemplo “el sujeto principal es aquel sobre el que está hecho el enfoque”, o incluso “la luz viene de arriba”.
  • El equilibrio clásico: Las reglas de composición del estilo “clásico”, especialmente en lo que se refiere al equilibrio entre los diversos elementos de la imagen, en términos de color, de contraste, del lugar ocupado dentro del cuadro, o de la nitidez o grado de desenfoque.
  • La serie armónica: El autor compara las diferentes proporciones del cuadro (4/3, 3/2, cuadrado, etc.) con las series armónicas musicales, y siguiendo a los clásicos (el número áureo) va mucho más lejos presentando las posibles posiciones que puede tener el sujeto, especialmente en aquellos casos en los que hayan varias composiciones armónicas posibles. Se entienden realmente bien los principios que rigen el equilibrio de fuerzas en una imagen: desde el punto de vista teórico es muy interesante, e incluso creyendo como creo que eso se aprende sobre todo con la experiencia, conocer los principios teóricos permite sin duda aprender más rápido.
  • Conduce la mirada: La perspectiva es un clásico para conducir la mirada, pero el autor va más lejos aún al evocar los degradados de luz o de nitidez, y otros muchos ejemplos que dicen mucho.
  • Oposición: Una noción bastante desconocida por los fotógrafos que acaban de comenzar es separar diversos planos de la imagen: el ejemplo más simple es sin duda el de la sombra china proyectada por un sujeto colocado delante de un fondo luminoso (tipo puesta de sol), pero se pueden separar los planos gracias a la “perspectiva atmosférica” (es decir, un fondo más brumoso, por decirlo así). El autor explica numerosas formas de revelar el sujeto en el momento que se desee, e incluso perturbar al espectador con un poco de intriga haciendo justamente lo contrario de lo que se debe hacer.
  • El estilo gráfico liso, el minimalismo, el estilo gráfico elaborado, el desorden organizado: aquí entramos en un tema que se basa en el análisis de la corriente artística. Los títulos de estos capítulos hablan por sí solos 😉 El autor analiza lo que hace que una imagen se inscriba en tal o cual corriente artística (lo cual no quita tener un estilo personal, son dos cosas distintas). Sin duda esto te dará buenas ideas para tus propias imágenes, pues puedes tomar prestados distintos estilos según el momento, sin necesariamente limitarte a él 😉

Un ejemplo de uno de los numerosos esquemas explicativos del libro

Este capítulo explica en profundidad numerosas técnicas de composición no tan obvias y relativamente desconocidas, que en su conjunto imprimen un estilo a tus imágenes.

 

 

 

 

Capítulo 3: El retoque

Al contrario de lo que se podría dar a entender con el título, este capítulo no sólo se interesa en el post-tratamiento (retoque), sino que, de una forma general, también en la manera en cómo se trata un objeto, en base a un montón de elecciones, desde la distancia focal hasta la iluminación.

 

  • Modelos de imágenes: Una excelente idea que no me esperaba. Este capítulo propone una lista de modelos de imágenes, es decir, de las distintas formas de tratar alguno de sus aspectos. Para ser más claro, en el apartado “iluminación principal” hay “claroscuros”, “bordes cortados por el sol”, “luz dorada perfecta”, etc. La idea es que selecciones tus mejores imágenes, y que observes qué es lo que te gusta más de cada una de ellas en relación a esos aspectos. Podrás identificar qué es lo más armonioso a tus ojos, qué es lo que se te da mejor, lo cual te ayudará a definir un estilo propio (que no se resumirá a ese tipo de foto, por supuesto), pero también podrás despertar tu curiosidad por explorar nuevos horizontes, ¿por qué no?
  • Composición interactiva: Plenamente consciente de que los diversos modos de composición están limitados por las condiciones, en especial cuando se fotografían objetos o sujetos en movimiento, Freeman presenta un apartado interesante que habla de cómo consiguió componer una foto excelente, explicando sus pruebas fallidas, y contando toda la historia detrás de esa foto. Esto es muy interesante, en especial si no sabes mucho qué hacer cuando te encuentras frente a una escena que deseas fotografiar. Incuso si no compras el libro, pasa por cualquier librería y lee esta sección 😉
    (si piensas leer más, cómpralo, no seas malo 😉 )
  • Duración y movimiento: La fotografía tiene la particularidad de ser el único arte visual en el que se tiene la posibilidad de jugar intensamente con el movimiento y de hacer salir aquello que el ojo no ve. Efectivamente, obviamente no vemos los movimientos desenfocados, y la pintura rara vez (¿nunca?) permite hacer este tipo de tratamiento del movimiento. Un apartado que trata sobre todas las opciones que se pueden expresar gracias a esta particularidad de la fotografía.
  • El aspecto: Aquí entramos un poco en la fase de retoque, con una lista muy completa y enriquecedora acerca de las formas principales de retocar una imagen, las cuales son tratadas una por una:
    • El hiperrealismo: Aumento (HDR especialmente) o, al revés, ecualización de los micro-detalles, aspecto metálico, textura granulada, el hiperrealismo consiste a groso modo en ir un paso más allá de lo que se puede percibir, en realidad para hacer que la foto sea más “realista”, o al contrario.
    • Enriquecido: Aquí hablamos sobre todo del color, poniendo el acento en la saturación o el brillo, pero también en la densidad de las sombras (¡con ejemplos sorprendentes para reforzarlas todavía más!)
    • Decoloración: El extremo opuesto, es decir, la clave alta (high-key), tonos pastel y otros efectos para dar una sensación de desaturación a tus imágenes, y crear así un ambiente particular.
    • Efectos luminosos: La creación de una estela o un haz luminoso mediante técnicas de enfoque o retoque, también permite crear una atmósfera bien particular.

En resumen

Puntos fuertes:

  • Conceptos verdaderamente avanzados en términos de composición
  • Numerosos ejemplos ilustrativos (fotos, pero también esquemas explicativos)
  • Buenas ideas para probar cosas que jamás hemos hecho en fotografía
  • La posibilidad de comenzar a definir nuestro propio estilo

 

Puntos débiles:

  • Algunos recursos en ocasiones demasiado importantes tienen demasiadas referencias culturales que no todo el mundo conoce
  • Es un libro que no está dirigido a los principiantes

 

Aconsejaría este libro más bien a aquellos fotógrafos que tengan un nivel ligeramente superior al de principiante y que quieran dar un paso más allá en términos de composición para comenzar a imprimir su propio estilo en las fotos. Al contrario, si realmente acabas de comenzar a hacer fotos, más bien te aconsejo que recurras a libros más adaptados, pero igualmente excelentes, como por ejemplo: Los Secretos De La Composición Fotográfica. Guía De Campo. de Bryan Peterson (mucho más accesible para los neófitos pero abarcando cuestiones avanzadas de composición).

 

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