Cómo te puede ayudar el dibujo a mejorar tus composiciones

3 diciembre 2015

Ya lo he dicho otras veces, pero recuerda que hay que interesarse por la imagen en general y por las demás artes gráficas para mejorar en fotografía. Por esa razón he decido invitar a un bloguero que es más un dibujante que un fotógrafo. Nos ofrece su interesante visión y nos ilustra acerca de la relación entre dibujo y composición. Una composición que es igual de fundamental, si no más, en fotografía que en dibujo. Sin más, le doy la palabra.

Me llamo Roy Pallas, soy el autor del blog “le dessin” (el dibujo), en el cual comparto mi experiencia y mis consejos de motivación. Dado que la fotografía se ha separado de las demás artes para crear sus propios códigos, parece evidente que aprender (un poco) a conocer la pintura y el dibujo no puede ser más que provechoso para los aficionados. He decidido compartir contigo algunos principios de composición utilizados en dibujo en este espacio que me ha cedido Laurent en el blog.

La naturaleza, esa artista…

La naturaleza es de una fuente infinita de contornos y texturas. Las formas que se pueden observar en la naturaleza son la base del enfoque ilustrativo y creativo de Andrew Loomis. Loomis es un famoso ilustrador que ha redactado obras muy pedagógicas para aprender a dibujar, y yo te presentaré algunos extractos en este artículo.

(Nota de Laurent: obra que ha pasado a ser de dominio público 😉 )

Si analizas un paisaje, verás que las formas se cruzan, se siguen, se sobrepasan… Encuadrar ese espacio (por ejemplo, con una cámara de fotos) permite descubrir esa armonía de líneas que componen el entorno.

Un pequeño ejercicio muy fácil de hacer para aprender a detectar esas curvas y trazarlas en tus imágenes. De esta forma agudizarás tu ojo y adquirirás un sentido de la observación más preciso.

También puedes buscar en el paisaje esos elementos que parecen letras alfabéticas u otros símbolos para ganar organización en tus composiciones.

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La búsqueda del equilibrio

Para que una imagen sea agradable a la vista, necesita equilibrio. El interés es conseguir esa armonía sin tener que recurrir a ejes de simetría rígidos y puramente geométricos. ¿Entonces cómo se consigue una imagen con curvas que parezca equilibrada? Debo decirte que el equilibrio no es algo tan evidente, es relativo. Somos nosotros quienes decidimos mover una forma, colocarla en un espacio más amplio, más elevado o si debe superponerse a otro elemento de la imagen… No obstante, existen algunas reglas que se pueden aplicar en un dibujo para conseguir fotos armoniosas.

Una que tiene cierta importancia es aquella de no contar con dos elementos idénticos en el mismo plano (siempre es mejor un número impar) que se sobrepongan o que estén yuxtapuestos. Si hay dos elementos idénticos, intenta disponerlos en cada esquina de la imagen siempre que puedas.

Entre dos formas con altura y longitud distintas, se debe dejar espacio entre ambas dejando espacio libre en el centro de la imagen. La mediana de la imagen es el punto de equilibrio y cada forma debe estar dispuesta de un lado y otro de esta línea.

Ten cuidado, no obstante, de no caer en esta trampa…

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Si utilizas una perspectiva geométrica, puedes colocar un personaje “en el lugar de honor“, es decir, en el punto de convergencia de las líneas de fuga. De este modo, es como si todo el paisaje convergiera en él. Y ocupará toda la atención. Pero debes tener cuidado de no cometer este error de colocar el punto de fuga y el personaje en el pleno centro de la imagen. Como ha explicado Laurent (Nota: en el artículo sobre la regla de tercios por ejemplo), una fotografía simétrica es aburrida, y ocurre lo mismo con un dibujo. Opta por utilizar una de las disposiciones de aquí abajo en su lugar.

Cómo circula la mirada en una imagen

Eso es lo que buscan la fotografía, la pintura y el dibujo. Baste con decir que el recorrido de la mirada en una imagen es importante. ¡Y por una buena razón! El camino que recorrerá la mirada del espectador determinará la forma cómo éste se va a apropiar de la imagen y su comprensión (o no) de lo que quieres transmitir con ella.

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En una buena composición el ojo debe poder seguir un recorrido entre los elementos de la imagen. En este ejemplo, el personaje se encuentra en el exterior, sobre una plataforma sin relieve, además la imagen tiene mucho espacio y las líneas de construcción son muy visibles. Aunque esta imagen monótona también se puede mejorar añadiendo “obstáculos para la mirada“, en una zona en la que queden fuera de campo.

En general, la mirada en una imagen entra por el primer plano (por abajo) y sale por el fondo. Pero en este caso, los arbustos obstaculizan la mirada. El ojo sigue el recorrido hacia el personaje y en el momento en el que está a punto de salir de la imagen… ¡Hop! Una rama con hojas le hace dar media vuelta en dirección a la casa antes de salir por la parte superior.

En este último ejemplo, el ojo accede a la imagen por la parte inferior. Llega al barco. Gira hacia el pontón o se detiene en las montañas. Continúa su ascenso, se detiene a observar los pájaros y después sale de la imagen. Te das cuenta de que el sujeto principal (el personaje y su barca) es el centro de atención durante un instante. La atención pasa entonces a los relieves del paisaje en el fondo. El relieve empuja a la mirada a salir por el espacio abierto y la hace llegar al primer sujeto de la foto (la barca). Las zonas importantes de la imagen se suceden gracias al encadenamiento de los diversos planos.

¡Algunas excepciones que lo vuelven más divertido!

La regla de la salida de la mirada por la parte superior no siempre es cierta. Hay excepciones, y he aquí una que se da en pintura.

La encajera de bolillos de Vermeer

¿Por qué Vermeer? Muchos especialistas coinciden al decir que este pintor utilizaba una cámara oscura para pintar a sus modelos. Por tanto, se trata de un artista que utilizaba un procedimiento para componer sus cuadros más que similar al empleado en fotografía. Además, es un pintor que me gusta especialmente. Aunque no produjo una cantidad enorme de cuadros y su vida es como su obra: enigmática.

Vermeer pintó algunas vistas de Delft pero la mayoría de sus sujetos son de escenas de interior. Un ambiente cerrado, con pocos elementos hábilmente colocados para orientar la mirada del espectador. De esta forma, se transmite la sensación de concentración de esta mujer mientras trabaja. Demostración.

El ojo accede al cuadro por el primer plano (de paso podrás percibir la inexactitud del gesto utilizado para hilar el cojín), sube a lo largo del brazo de la chica, pasa por su cara y termina por llegar a las manos que sostienen el hilo. Vermeer utilizó el final de la mesa de trabajo como puerta de salida haciendo descender la mirada hacia la parte inferior del cuadro. Fíjate en la precisión con la que el hilo ha sido pintado a diferencia del entorno que le rodea.

 

Bueno, eso es todo. He hecho un recorrido por las nociones más importantes y las más fáciles de recordar en lo referido a la composición de imágenes. No niego que aún hay muchas cosas por decir sobre la relación entre fotografía y artes pictóricas o gráficas.

Proust dijo algo que me gusta mucho: “El único viaje verdadero, no sería ir hacia nuevos paisajes, sino tener otros ojos”. Espero que te haya gustado este periplo que te he propuesto a través de mis disciplinas preferidas y que te aporte una nueva mirada para conseguir mejores fotos en el futuro.

¡Y no olvides compartir el artículo! 🙂

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