Curso de fotografía, el blog

¿Pero qué haces aquí?

27 septiembre 2016
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(Aclaración: este es un artículo escrito por nuestro invitado Thomas Hammoudi en el que se incluyen un gran número de preguntas muy buenas. Así que es él quien tiene la palabra en este artículo ;) ) Seguir leyendo

La fotografía de viaje o el arte de fotografiar en vivo y en directo

8 septiembre 2016
Yo defino la fotografía de viaje como una serie de instantáneas que nos hacen descubrir un modo de vida en los confines del mundo o "cerca de nuestra casa". Una serie de fotos sacadas en vivo y en directo deben contar una historia, de una región, de un barrio, de una persona o de un paisaje. Seguir leyendo

16 consejos para fotografiar en safaris

6 septiembre 2016
Esta es una foto sobre un rinoceronte ;)
Como puede que ya sepas, en febrero viajé a Kenia para participar en un safari fotográfico durante diez días, junto a otros quince fotógrafos de todos los niveles, entre ellos David DuChemin, a quien hice una apasionante entrevista que tienes que ver ;) Seguir leyendo

El back button focusing, o enfoque con el botón trasero

1 septiembre 2016
La técnica de la que voy a hablar hoy es bastante avanzada, y no te recomiendo que te lances a ello si recién comienzas a fotografiar. Pero si ya has interiorizado bien cómo funciona el enfoque, sus diversos modos, y la profundidad de campo, esto podría ayudarte a conseguir mejores imágenes. Seguir leyendo

Entrevista a David DuChemin en Kenia: visión, creatividad y fotografía de viaje

Puede que ya lo sepas: en febrero, viajé a Kenia con David DuChemin, un fotógrafo canadiense de renombre internacional, conocido por sus imágenes y por su obra pedagógica. ¡En resumen, como puedes imaginar, teníamos muchas cosas de las que hablar, y he aprovechado para hacerle una entrevista apasionante en la que seguro que vas a aprender muchas cosas interesantes! [Aunque la introducción del vídeo está en francés, toda la entrevista es en inglés por lo que os dejo el vídeo así como una transcripción traducida.] ¡Hola! Aquí Laurent Breillat para Curso de Fotografía Grabo este vídeo en directo desde Kenia, donde me encuentro haciendo un safari fotográfico durante diez días con David DuChemin, un fotógrafo canadiense que me inspira mucho, fotográficamente hablando, pero también en términos pedagógicos, pues habla muy poco de material y técnica, y mucho de visión fotográfica. Me parece que eso es mucho más importante, hablar de lo que inspira en fotografía, y no centrarse únicamente en la técnica pura y dura, que no es necesariamente muy interesante; creo que eso se supera rápidamente. Y además, dado que estaba en Kenia con él, tuve la oportunidad de entrevistarlo. Él aceptó muy amablemente, y hemos pasado 40 o 45 minutos juntos hablando de fotografía, y ya verás, es muy interesante. Insisto de verdad, ya seas principiante, falso principiante, hagas fotografía desde hace bastante tiempo o desde hace poco, se trata de una entrevista que es necesario ver sí o sí. Para mí, es la mejor que he hecho en el blog, y de lejos, y eso que he hecho algunas entrevistas realmente interesantes. Esta será difícil de superar, por lo que el listón está muy alto. Por tanto, te aconsejo encarecidamente que mires esta entrevista. Si bien los diez últimos minutos son menos "bonitos" visualmente, porque dos cámaras dejaron de grabar al pasar 30 minutos, simplemente. Quedó la GoPro, así que la imagen es un poco menos bonita, pero para compensar, he incluido algunas bonitas imágenes de Kenia. Sin más, vamos con David para esta apasionante entrevista. Laurent: ¡Hola, David! David: ¡Hola! Laurent: Quisiera comenzar presentándote a los espectadores, dinos cómo has estudiado fotografía y cuál ha sido tu recorrido posterior. David: Por supuesto. Comencé con 14 años, como muchos de mis amigos. Conseguí una cámara, era una pequeña Voigtländer 35 mm Range Finder, en un mercadillo en Canadá, y… hay gente que son músicos, que tocan un instrumento e, inmediatamente, el instrumento les habla. En mi caso, cogí la cámara, e inmediatamente, me habló, podía colocar el mundo en el encuadre, y como apoyo, eso tenía mucho sentido para mí. Laurent: ¿De inmediato? David: De inmediato, eso no quiere decir que sacase buenas fotos, era algo que podía hacer con mis manos, me gustaba la faceta táctil de la película, del cuarto oscuro, y por supuesto, creo que he mejorado desde los 14 años, pero inmediatamente tuvo sentido para mí. Quería ser fotógrafo. Y además, visité a un fotógrafo que ejercía, y pensé, no quiero hacer esto, quiero hacer fotos, no quiero hacer esto, quiero hacer fotos, no ocuparme de un comercio. Trabajé con él dos días, en el instituto, y me hizo barrer, fregar el suelo, pintar las paredes del estudio, clasificar negativos... Me dije, eso no es hacer fotografía, así que decidí que no quería ser un profesional de la fotografía, y fui a la escuela, estudié filosofía, teología, hice teatro, después 12 años de comunicación, con el público a través del teatro, al tiempo que hacía fotografía, y un día, tuve la oportunidad de viajar a Haití, y fui en tanto que comediante, y llevé la cámara conmigo, y llegué a Haití, a Puerto Príncipe, y allí ocurrió la revelación, eso era lo que quería hacer. Me llevó entre 15 y 20 años llegar a ello, aprendía a utilizar la herramienta, pero no sabía qué historia quería contar... Laurent: Así que dudaste sobre el tema de la fotografía durante 15 o 20 años… David: Yo no diría que dudaba, no lo quería como profesión, me gustaba sacar fotos, sin ninguna intención de un día tener un público, de enseñarlas... Simplemente me gustaba el proceso. Es un poco como aprender a contar una historia, en el momento que aprendemos cómo contar una historia, no somos conscientes de que hay gente escuchando. Y después, un día, me di cuenta de que había gente escuchándome, pero también de que también me apasionaba la historia en sí misma, y hacía falta que hablase de lo humano, de la cultura y de los viajes, porque nunca tuve ganas de hacer fotos en mi país, en Canadá. Prácticamente nunca saco fotos en Canadá, incluso ahora, me gusta fotografiar cosas un poco distintas. Laurent: Así que vamos a centrarnos en tu visión actual, creo que es de lo que deberíamos hablar, pero es la única pregunta que te voy a hacer en relación a tu equipo fotográfico, porque sé que la gente me lo preguntará si no lo hago, así que te la voy a hacer: si sólo pudieses utilizar una única cámara y un objetivo, ¿cuáles serían? David: Ok, la respuesta a esta pregunta hubiese sido diferente hace un año, y puede que dentro de un año también sea diferente, pero en este momento, el FUJI XT1 y un objetivo 10-22 mm. Bueno eso ahora; hace un año, podría haber sido mi NIKON 3DS con un objetivo 16-35 mm, pero aunque el objetivo sea el mismo, creo que es lo que más impacto tiene sobre la historia. Hay gente a la que le gustan los gran angular, a otros los teleobjetivos. El 99 % de mi trabajo está hecho con un ultra gran angular, porque me gusta la experiencia de uso, más que con un objetivo plano. Pero se puede hacer, ya sabes, ahora disparamos con un ultra gran angular. Y la razón del FUJI es que las cosas van tan rápido, ya sabes... incluso mi NIKON, tiene todos los ajustes, y esto, y lo otro. La FUJI es como mi vieja Voigtländer, tiene un anillo de diafragma, velocidad de obturación, sensibilidad ISO (por supuesto, en nuestros días), pero con todo táctil. Es por eso que he elegido esta cámara, es un poco como una vuelta a los orígenes. Laurent: Ahora vamos a hablar de visión, y mi primera pregunta, ya la has respondido parcialmente. ¿Ha sido complicado encontrar lo que querías hacer con tu trabajo, y te ocurre todavía hoy? David: Lo es, sigue siéndolo a día de hoy, y todos los días, porque cambiamos. Si la visión es el reflejo de la parte más profunda de nosotros mismos, las cosas que pensamos, las cosas que sentimos, eso cambia con el tiempo. Cambia de un año a otro, cambia todos los meses, con el cambio de estación, con el tiempo, y me despierto por la mañana y pienso que nuestra propia visión cambia con pequeños pasos. Y el gran desafío con la fotografía es comprender esos cambios y adaptarse. Y para mí, mi visión, porque ya he dicho que había hecho muchas fotos de viajes y de carácter humanitario, y con los años, eso, eso no cambia, pero me he vuelto más consciente de mis deseos de tomar decisiones éticas en términos de desarrollo sostenible y del impacto de nuestras vidas sobre el planeta y las criaturas con las que pasamos el tiempo. Tú y yo sacamos fotos de elefantes y leones, y es en eso en lo que pensamos ahora, esa es la reflexión de mi vida ahora, puede que no fuera el caso hace cinco años. Pero creo que eso le ocurre a todo el mundo. Todo el mundo tiene sus dificultades con eso. Algunos tienen menos dificultades, y algunos no son conscientes de que es eso lo que hará pasar a su foto de la fase "esto es una foto de león" a la de "esto es una foto que habla de un león", cómo ese león siente, ve. Laurent: OK, era más o menos mi siguiente pregunta, en cierta manera. ¿Qué consejos darías a los fotógrafos jóvenes, a esos que recién comienzan en el mundo de la fotografía (más o menos), y que se esfuerzan por ir más allá de la foto del león, o de gente en la calle o del retrato, o no importa, aquellos que quieran ir más lejos? David: Creo que es necesario ser un poco introspectivo, que es necesario ser consciente de la forma en la que pensamos, de lo que sentimos. Mirad las fotos que os gusten de verdad, no necesariamente las vuestras, sino las de otras personas, aquellas que ves y dices "es increíble", y pregúntate qué es lo que las vuelve geniales. ¿Es el ángulo de enfoque, la atmósfera, la emoción? ¿Es la historia que cuentan? Hay gente a la que le encantan las fotos de calle, a otros los paisajes, no necesariamente son capaces de explicar por qué, pero no quieren hacer fotografía de retrato, quieren fotografiar el océano, los osos polares... Simplemente hay que comprender eso, y además mirar el trabajo de otros fotógrafos, decir "me gusta el blanco y negro, y más bien veo el mundo en blanco y negro", otros dicen: "jamás sacaré fotos el blanco y negro, porque lo veo todo en colores", comprender eso, y comprender lo que le funciona a uno mismo y lo que no, y elegir. No tenéis necesidad de fotografiarlo todo, necesitáis descubrir lo que os gusta y consagraros a ello. No hagáis nada más, no os sintáis obligados a hacer fotos de retrato. Si no queréis hacer fotos de retrato, no las hagáis. Yo sólo trabajo con luz natural, nunca con luz artificial. Pero todo el mundo quiere aprender iluminación estroboscópica, y tú deberías. ¡Yo utilizo la luz estroboscópica en fotografía submarina, pero para el resto, no me gusta este tipo de iluminación, la detesto! ¿Por qué iba a perder el tiempo? No me gusta el proceso, no me gusta el resultado, no me gusta la forma en cómo afecta al sujeto, ¿entiendes?, y hace falta instalar todo el material, así que es parte de mi visión, mientras que alguien como Joe McNally es muy bueno con la luz estroboscópica, le sale natural, sabe hablar ese lenguaje. Por tanto, hay que intentar definir todo esto y dejar el resto. ¡De todas formas, no se puede hacer todo a la vez, la vida es demasiado corta, así que hay que elegir algo en lo que seamos buenos! Laurent: ¿Pero no crees que si la gente tiene problemas para encontrar lo que quiere hacer, deberían experimentar distintos tipos de fotos, pues al hacerlo...? David: Por supuesto que sí, hay que tocar todos los palos, pero en el momento en que te das cuenta de que "no te gusta la iluminación estroboscópica", entonces guárdala en un armario y haz lo que te gusta. Laurent: Porque no la utilizarás nunca. David: Llegamos a ser buenos haciendo las cosas que nos gustan. Y con las cosas que nos gustan, experimentaremos, tomaremos riesgos, seremos más creativos, nos divertiremos. Es así cómo se aprende y cómo uno se apropia las imágenes, sin limitarse a copiar la última foto de Joe Mc Nally o de Steve Mc Curry, o de cualquier fotógrafo que a uno le guste. Jugad con las cosas; yo todavía juego, hago fotos con mi vieja Hasselblad, no las publicaré, es sólo para divertirme, pero podría ser que llegue a salir algo realmente interesante, podría pasar cualquier cosa, y entonces, perseguiría ese abordaje. Hay que hacer un poco de todo. Laurent: En tu opinión, y sé que es una pregunta difícil y que probablemente no haya una única respuesta... En tu opinión, ¿cuál es el aspecto principal que hace que la gente tenga éxito en fotografía, y cuando digo éxito, me refiero a que sean capaces de compartir su propia visión? David: Yo creo que es una combinación de aspectos. Ser conscientes de su visión, o al menos, de forma cotidiana… Laurent: Más conscientes… David: Querer encontrarla en su vida cotidiana, sentirse cómodos con la forma en cómo se va a expresar esa visión. De hecho, mi empresa Craft & Vision lleva este nombre por esta precisa razón. Se pueden tener todas las visiones del mundo, pero si no hay manera de expresarlas... Sería como un poeta que no conociese el alfabeto y no pudiese escribir y formar palabras... Puedes ser muy poético de espíritu y no poderlo expresar, así que es necesaria una visión así como los medios para expresarla. Esto no quiere decir que haga falta saberlo todo sobre la fotografía, pero es necesario conocer los fundamentos, hay que conocer los objetivos, o al menos aquellos que nos guste utilizar, hay que saber cómo funcionan las líneas y la luz, saber percibir los momentos, así que creo que es en ese punto, para responder a tu pregunta, donde las cosas se conectan. Laurent: A menudo digo a mis espectadores que cuando se comienza, hay preguntas que uno debe hacerse antes de sacar una foto, para evitar apretar el disparador sin reflexionar. ¿Te haces algunas preguntas antes de sacar una foto? Si te las haces… David: Es mi caso. Me hago preguntas antes, y después, y mientras trabajo la imagen en Lightroom, y son esas preguntas que me hago sobre la razón por la que he cogido mi cámara. Te encuentras ahí, miras y dices: ¡oh, dios mío, mira eso! Es todo lo que puedo ver. Es la temperatura de color, es un cierto momento, es la relación entre dos elementos relacionados entre sí, hay que averiguar por qué es así, e intentar expresarlo de la forma más clara posible. Alguien dijo una vez, y yo he dicho lo mismo en mis propios libros, no lo he inventado yo: "La fotografía es el arte de excluir". ¡No se trata únicamente de coger la cámara, sino todos podríamos hacerlo y disparar con objetivos a 180 °, y clic, y eso sería todo! No, es mucho más que eso. Si quieres expresar alguna cosa con 'esto', tendrás que eliminar todo el resto, y creo que eso es lo más difícil. Se hace con la luz, por esa razón me encantan las sombras, porque tras las sombras se pueden esconder cosas, porque me gusta distorsionar mi perspectiva, sólo un pequeño movimiento modifica las líneas, permite eliminar algo aquí, y añadirlo allí, así que estas son las preguntas que me hago: ¿qué es 'esto'? Algunos fotógrafos cometen el error de intentar incluir demasiadas sombras, ¡y se dicen oh dios mío, mira eso...! Todo lo que se necesita es mirar esto, y esto, y esto. Probablemente sea mejor sacar tres fotos, que por separado sean más potentes que 'esto'. Habitualmente, se saca esta foto, y en el momento uno se dice que sí, pero dos horas después, uno se dice, ¿pero en qué estaba pensando? No es tan grave, la gente crece de esta forma, y además hay todas estas cosas, ¿entiendes? Es como un buen texto, un buen texto es el resultado de una buena revisión. Se necesita eliminar tanta escoria como sea posible. Laurent: ¿Cuáles son las tres técnicas que utilizarías para excluir las cosas que no son deseables? David: Pienso en términos de "aislar el sujeto", creo que lo más evidente sería la profundidad de campo, con una mayor apertura del diafragma se puede elegir aislar, ya sabes, si tienes un 85 f/1.2, tienes esa profundidad de campo a esta distancia, no se necesita que sea así, puede ser con f/4, y llegar, al menos si fuese yo quien fotografiase, al menos llegar hasta tus orejas, hasta el rostro completo, y prescindir del resto. Pero puede que no lo quieras todo, puede que la foto seas tú mismo en relación a tu entorno, así que necesito un poco más del entorno, y podría ajustar a f/8, eso sería una forma. Lo segundo podría ser el objetivo, por supuesto el gran angular o un encuadre muy cerrado, si hablamos en términos de gran angular, se puede decir que es demasiado, pero que si se acerca el gran angular más cerca, de ahí, es así de grande, y si lo acerco, no únicamente sales más grande en el encuadre, sino que todo el resto sale más pequeño, por lo que es una forma de aislar. Otra forma sería el ángulo de enfoque o la perspectiva, arrodíllate y dispara a ras de suelo, saldrá mucho menos el suelo y mucho más lo que tengas delante de ti. Ponte a más altura y aparecerá más suelo. Así se produce un efecto de aislamiento del ángulo de enfoque, y veo muchos fotógrafos que sacan todas sus primeras fotos, y ya sabes, si quieres que cambie de perspectiva como espectador, es necesario que tú, en tanto fotógrafo, cambies tu perspectiva. ¡Súbete a una escalera, ponte panza abajo! Lo más difícil aquí es que estamos dentro de un camión, y no se puede salir a ponerse panza abajo, o nos comerá un león... Siempre existen impedimentos físicos, siempre hay un momento en el que no se puede, pero esas son las tres técnicas. Y existen muchas otras, una de mis preferidas es la velocidad de obturación. Y si quieres aislar... Un ejemplo clásico sería a orillas de algún lugar con agua. Si eliges un tiempo de exposición de 30’’, el océano queda desenfocado alrededor del sujeto. Y en lugar de que las olas salgan bien definidas, salen desenfocadas y las rocas del medio del paisaje marino tendrían una masa visual mucho más importante, por lo que la mirada se dirigirá directamente hacia ellas. Pero existen muchas formas de aislar. Laurent: Has hecho referencia a las limitaciones, ¿crees que ayudan a los fotógrafos a mejorar? David: Diría que no solamente ayudan, son absolutamente... −iba a decir importantes…−, son absolutamente necesarias. La creatividad es como un músculo, debe resistir, y dudo en decir esto, pero realmente, las peores fotos que he visto son aquellas hechas por fotógrafos que se pasean con un bolso dentro del cual hay 10 objetivos y tres cámaras, si ves algo, te dices, ¡oh dios mío, mira eso! Y luego estás ahí: disparo con el 70-200, tengo un 35, pero también un nuevo objetivo Fisheye, y mi 800 mm en el bolso, y… ¡ya es demasiado tarde! No importa lo que había, ya no está. Si sales con tu objetivo 35 mm, mi preferido es el 16-21, mi 21 mm montado en mi vieja Leïca era mi preferido antes, entonces te acostumbras y cuando ves alguna cosa, la ves a través del 21 mm porque sabes que no tienes nada más contigo. Y vas directo al grano. Haces las fotos más rápido. Y por supuesto, puede ser un desafío, "oh no, puede que no fuera el 21..." Pero desde el momento en el que te olvidas de elegir, se activa tu creatividad, y dices: ¿qué puedo hacer con esto? ¿Será cuestión de afinar el encuadre? Ya hemos hablado de aislar el sujeto. Y este gran angular... Puede que no pueda aislar como quisiera, pero puedo modificar mi perspectiva, o puedo esperar un instante mejor, o puedo aumentar la velocidad de obturación y conseguir una multitud desenfocada en la que destaca una persona... Me atrevería a decir que sin limitaciones, no se puede ser creativos. Y si te quedas sentado en tu casa y piensas que no te interesa que tus fotos sean creativas, es bien probable que nadie se interese por tus fotos. Porque ya lo hemos visto todo. Hemos visto fotos de elefantes, aquellas que nos emocionan son esas en las que nos decimos: "oh dios mío, es una bonita foto de elefantes", aquellas que han sido sacadas con ciertas limitaciones para el proceso creativo, aquellas que han sido trabajadas y que muestran algo nuevo o diferente. Laurent: Las mejores fotos que he sacado esta semana, al menos de las que he visto, son probablemente aquellas en las que los animales estaban demasiado alejados como para poder hacer un plano cerrado. He tenido que ser creativo y encontrar algo de más. David: He aquí un ejemplo. Estábamos sacando fotos de puestas de sol y las jirafas llegaban a lo alto de la colina, y todos se agitaban, porque esto pertenece al dominio de la religión de los histogramas, por lo que cada uno se peleaba con la cámara para conservar los detalles en la foto, y yo sobreexpuse por lo menos 6 pasos, y no salieron detalles. Sólo la silueta de las jirafas… Pero nadie mirará esta foto... el sol es muy claro y el cielo de color naranja, así que nadie mirará las cuatro siluetas de las jirafas ni se preguntará si son jirafas o no. Saben perfectamente que se trata de jirafas. Pero ofrece una emoción al mirar esta foto porque el color está ahí, la forma está ahí, lo único que falta son los detalles en el pelaje de las jirafas, ¡y eso le da igual a todo el mundo! ¡Nuestro cerebro ya ha detectado "jirafas"! Y esa es la diferencia entre una foto de cualquier cosa y una foto que hable de cualquier cosa. Laurent: Ahora hablemos de inspiración. La primera vez que oí hablar de eso, fue en tus Created image series, y decías que la creatividad era como unir puntos, pero que en primer lugar había que tener los puntos, "hay que inspirar en primer lugar para poder expirar", algo que se entiende mejor en Francia. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? David: Creo que los fotógrafos se focalizan demasiado en la fotografía. La fotografía es un lenguaje visual, y más que mirar lo que hacen otros fotógrafos −algo que me parece importante−, hay que mirar también pinturas, porque a menudo utilizan el color de manera distinta a como lo hacen los fotógrafos, mirar el trabajo de los escultores, porque los escultores utilizan el espacio y la profundidad de forma diferente a como lo hacen los fotógrafos. Los diseñadores gráficos son mucho mejores para organizar los elementos en 2 D. Tú y yo, como fotógrafos que somos, trabajamos en 3 D, pero una vez hemos apretado el disparador, pasamos a 2 D. Y estudiar diseño gráfico sirve verdaderamente.... Todos los fotógrafos deberían estudiar diseño gráfico, porque es lo que hacemos. Y el relato... cuando veo una película, me pregunto cómo han contado visualmente la historia. Si lo corto totalmente, ¿puedo seguir esta historia, qué efectos visuales han sido utilizados? Por supuesto, no habría podido acceder más que a una parte de la historia, y no me habría impactado de la misma manera, porque se tiene acceso a la música, la acción, el timing, el sonido y la forma en que este último se agrega, pero en tanto persona visual, si veo una película y no puedo porque el sonido está cortado, ni comprendo lo que ocurre, probablemente la persona que cuenta la historia visualmente habrá perdido el tren, o se apoya más en el sonido, pero la lección que puedo sacar es únicamente visual. Así que lo miro todo. Yo voy a una galería y miro los cuadros, incluso cosas que no me interesan, hay cosas de arte moderno, no me dicen nada, me siento estúpido, pero en lugar de decirme que no entiendo nada, miro y me digo "pero qué ha querido decir" o "qué es lo que siento". Y esto es importante, al menos para mí. He leído un artículo corto sobre Kandinsky, y lo más importante que saqué en claro es que no intentaba crear algo que debía ser comprendido sí o sí, sino algo que debía sentirse. Si escucho un fragmento de Mozart, no intento saber si lo comprendo, mi experiencia es puramente emocional. Y eso es lo que Kandinsky intentaba hacer… Bueno, ahora no conozco prácticamente nada de arte moderno. He estudiado a los impresionistas y me encantan, pero de nuevo, se trataba de feeling. Y si nos fijamos en mi obra de estos dos últimos años, he comenzado a hacer cosas impresionistas y abstractas, fotos que apelan puramente a los sentimientos, y cualquiera las mirará y me dirá que no entiende nada, y yo le diré: de acuerdo, ¿qué sientes? "Mira, sabes, siento esto", y tendremos una conversación, será cercano. Y hablo con otros fotógrafos sobre el lenguaje visual, los fotógrafos tienen la oportunidad de inspirarse en muchas más cosas, a un nivel completamente interdisciplinario, a como lo hacen cuando compran la última revista de fotografía y hojean las publicidades. Laurent: Hemos evocado las limitaciones o impedimentos, y en cierto modo, está ligado a esta pregunta. ¿Cuál ha sido tu mayor desafío en fotografía y cuál ha sido el impacto sobre tu obra? David: Creo que el mayor, y supongo que todos aquellos que miren este vídeo lo sabrán, pero hace cinco años en Italia, tuve un accidente. Me caí y me rompí los dos pies, y sin duda es la mayor limitación. No solamente cambia lo que hago, sino la forma en cómo lo hago. No puedo llevar tanto material conmigo, ni caminar muy lejos, ya no puedo, cuando fotografío las calles, me gusta agacharme, ponerme de rodillas, mis tobillos no funcionan bien, así que al agacharme, ya sabes, prácticamente me desplomo, me ataca a la dignidad, pero si te fijas en tu equipo, te encuentras una cámara Fuji, o no importa la que sea, con un LCD, y ahora, puedes bajar la LCD en lugar de agacharte tú. Esto ha cambiado la forma en la que trabajo y cuando se cambia esa forma de trabajar, creo que cambia todo. Esto puede abrir nuevas posibilidades, y piensas "no podía hacerlo antes, si intentase esto", y esto conlleva todo un proceso creativo. Por tanto, este accidente, a nivel físico, me ha impuesto las mayores limitaciones, pero creo, sin alargarme demasiado, creo que eso da pie a nuevas construcciones mentales y emocionales. Esto me ha traído nuevas cosas importantes para mí, ya sabes, todos somos seres completos, no únicamente cuerpos, tenemos un cerebro que piensa y siente, y este accidente me cambió tanto la vida que creo que puedes ver cómo mi trabajo ha cambiado en estos últimos cinco años. Laurent: ¿Cómo ha cambiado? David: Creo… Esta es la respuesta fácil: siempre he pensado que la vida era corta, salvo si haces algo que detestas, entonces se hace larga, pero siempre he pensado que es corta y que se debe fotografiar lo que guste, contar historias que gusten y no concentrarse en el resto. Pero cuando tuve mi accidente, vi con más claridad que no únicamente la vida es corta, sino que las historias importantes eran mucho más importantes. Cuando veo cosas bellas, eso me despierta una cierta vitalidad, más necesidad de ser astuto, basta con que sean bellas. Alguien me ha dicho recientemente que un artista serio habría abandonado la belleza después de mucho tiempo. Llevamos a cabo guerras por la belleza, llevamos a cabo batallas personales para cosas como la belleza, la verdad y... No tengo necesidad de hacer una gran declaración irónica sobre la vida. Yo creo que esto es lo que ha cambiado. Mis fotos son mucho más claras, y he dejado de fotografiar todo aquello que no me interese, lo dejo de lado y sigo a mi inspiración. Laurent: Muchas veces me hago la siguiente pregunta, ¿debo sacar muchas fotos, o intentar lograr lo que quiero en una o dos fotos? David: ¡Mi respuesta es sí! Realmente, hay un libro titulado Art and Fear, en el que se habla de un estudio relacionado con un profesor de cerámica que enseñaba alfarería. Dividió a su grupo de estudiantes. Una parte de la clase debía hacer tantas piezas como fuera posible. Laurent: Conozco esta historia. David: Y el otro debía hacer piezas que fueran lo más bellas posible. La simpática moraleja de esta historia es que aquellos que produjeron tantas piezas como les fuera posible, realizaron un trabajo mejor. No creo que la perfección ayude en el proceso creativo. ¡Incluso intentar hacerlo bien, no creo que eso ayude! ¡Es necesario divertirse, experimentar, no tener miedo de quedarse bloqueado ni de crear 100 piezas de cerámica que sean lamentables! Cuando salgo a sacar fotos, es en digital, no cuesta nada, pero de todas formas, intento hacerlo bien, no me gusta reencuadrar a posteriori, ya hemos hablado de ello. Me gusta la Fuji porque puedo decir, quiero hacer esta serie en 16 x 9, y puedo ajustar a 16 x 9, puedo hacer blanco y negro, Velvia o formato cuadrado 1 x 1. Puedo tomar decisiones sobre la cámara, y cuando miro a través del visor... en lugar de decirme que está mal, me pregunto si puedo arreglarlo, reencuadrarlo en formato cuadrado... Es una forma de hacerlo, ¡aunque no producirá el mejor de los resultados! Creo que tú puedes al mismo tiempo sacar muchas fotos, pero con una intención. Creo que fue Cartier-Bresson quien dijo "tus 10.000 primeras fotos son las peores". Se pueden crear 10.000 imágenes en 20 minutos si se mantiene el dedo presionando el disparador, pero es necesario que las 10.000 fotos tengan un sentido. Es necesario mirarlas una y otra vez para sacar lecciones en claro, y no sacar tantas fotos como sea posible. Así que de nuevo pienso que la respuesta es sí. Laurent: ¡Me gusta esto! No tiene nada que ver, ¿pero piensa que las personas creativas generalmente son introvertidas? Por introvertidos, quiero decir que su energía se alimenta de la soledad… David: Sí. Sinceramente, yo sé que soy profundamente introvertido. Me gusta la gente, hasta un cierto punto, y llega un momento en el que mi mujer y yo nos decimos, ya hemos tenido suficiente, basta. Tenemos que ir a otro lugar y recargar las energías. Así que sí, lo soy. Creo que la gente funciona bien más allá de un sistema binario de tipo introvertido/extrovertido, existen grados, el espectro es amplio. ¡Y probablemente haya gente que sea muy extrovertida y también muy creativa! No te podría decir si los conozco o no, pero estoy seguro de que existen. Porque, realmente, no es una cuestión de... Si hacemos la comparación con un coche, y la introversión y la extroversión son el lugar en el que llenamos el depósito o bien el tipo de carburante que se utiliza, entonces el coche va a algún lugar. Y creo que hay gente extrovertida que encuentra su combustible para hacer avanzar el proceso creativo de una forma distinta a la mía. Laurent: Ok, ahora hablemos de la fotografía de viaje, es lo que probablemente te interese más en fotografía. ¿Cuál es tu país preferido? David: ¡Es difícil! Laurent: ¡Puedes mencionar dos o tres! David: Gracias. ¡Me encanta Kenia! Paso algún tiempo todos los años, pero no puedo explicar el porqué. Podría dar muchas razones, pero a fin de cuentas, cuando vine la primera vez a Kenia, me sentí como en casa. Hay algo en la luz, la cultura, es interesante, es auténtico, la gente es agradable y afectuosa, la vida salvaje es bella, los paisajes son bellos, así que ciertamente... Me gustaría fotografiar ahora mismo, no es un país, es como si estuviese bajo el agua, o lo que sea, es un mundo completamente diferente. Y de nuevo, la luz es distinta, no se parece a nada de lo que haya podido fotografiar en la superficie, los momentos son distintos, el desafío creativo es profundamente difícil, algo que aprecio mucho, y eso que he sacado muchas malas fotos bajo el agua intentando aprender, y sin embargo, sostengo lo que dije al principio, adoro Islandia, ¡pero ya tengo bastante, he visto demasiadas fotos de Islandia últimamente! El Antártico, adoro el Antártico, y... sé que has dicho tres, pero voy a hacer trampas: Italia, ¡me encanta Italia! Puedo volver a Italia, puede que sea el vino, puede que no tenga nada que ver con la fotografía, pero adoro Italia. Laurent: ¡Eso es parte de la historia! David: ¡Debe ser eso! ¡Me has preguntado de dónde saco la inspiración! Laurent: ¡Del vino! Existen muchos tipos de fotos y lugares distintos, escenas de la vida salvaje, retratos, árboles, arena, yo qué sé... Para ti, ¿cuál es la esencia de la fotografía de viaje? ¿Qué definición darías? Sé que es una pregunta difícil. David: Es una pregunta fácil, ¡pero vas a pensar que estoy bromeando! ¡Yo no creo en las fotografías de viaje, no creo que tal cosa exista! A menos que se fotografíen trenes, aviones y coches, tú lo has mencionado, existen muchos tipos de fotografías que están sacadas en lugares distintos, y la única razón por la que las llamamos fotos de viaje es porque no las sacamos en nuestra casa. Puedo salir de Canadá y venir a Kenia, mientras alguien sale de Kenia para ir a Canadá, y las fotos que saco en el jardín de mi casa son fotos de viaje para esa persona, y para mí no lo son. Así que, para responder a tu pregunta sin pasarme de ingenioso, preferiría decir que es la forma en la que vivimos la experiencia de un lugar. Un poco más bien, he dicho: "¡Es esto, mira esto! ", lo que vemos no es algo físico, sino que son las cosas que se sienten en un lugar, son las cosas que veo en una serie, y me digo "oh dios mío, mira esto, mira la calidad de la luz aquí, mira la forma en como la luz brilla en las calles", de forma distinta, puede que sea una Vespa en Italia, u otra cosa la que ofrece una marca visual e indica que se trata de Italia, India, o donde sea. Par mí, de nuevo, me da igual que alguien haga miles de kilómetros para sacar una foto, lo que me importa es que cuando la mire, tenga mi propia experiencia de este lugar a través de la foto, la comprenda, y sienta la pasión o el interés o la curiosidad del fotógrafo, y para mí, eso es lo que hace que una fotografía de viaje sea extraordinaria. Y si echamos un vistazo a la obra de los mejores fotógrafos de viaje, es eso lo que vuelve una y otra vez, ese traspaso de la experiencia. De nuevo, no se trata de que "eso es a lo que se parece Italia", ya sabemos a qué se parece Italia, es más bien lo que se siente en Italia. Laurent: Eso es parte de la próxima pregunta, pero yo digo a menudo que sabes hacer fotografía, que tienes unas competencias, exposición correcta de las fotos, o [inaudible], que se pueden adquirir rápidamente, salvo probablemente por la composición… David: Eso lleva toda una vida… Laurent: ¡Sí, lleva toda una vida! Y después están lo que yo llamo las competencias no fotográficas, como puede ser dirigir un modelo, ser paciente para las fotos de la vida silvestre, tener capacidad de reacción para las fotos de calle, etc... ¿Según tú, qué competencias no fotográficas son necesarias en la fotografía de viaje? David: Para todas las fotos, creo, la curiosidad… De mis fotos preferidas, la gente que conozco que las hace, son súper curiosos. No se conforman con decir: "Estoy en Venecia, fotografío la primera góndola que pasa, ¡y me voy!" Dicen: "Bueno, ¿cómo quedará con esta luz, o a las tres de la madrugada, o a la una, cuando todo el mundo se haya marchado; dónde se fabrican las góndolas –y visitan un taller–, qué me voy a encontrar en esta callejuela, cómo quedará en foto?" Es un ejemplo. Cuando fotografiaba góndolas, hice una gran serie, llevé conmigo el trípode en la góndola, lo monté y lo utilicé haciendo largas exposiciones, de forma que la góndola saliese perfectamente definida, pero el gondolero... se mueve, pasamos por debajo de puentes, y eso es muy impresionista. En algunos casos fueron fracasos estrepitosos, uno diría que el gondolero tenía tres cabezas y cuatro ojos, pero otras fotos, en mi opinión, fueron un éxito. Así que es la curiosidad, pero tal y como tú decías, está la paciencia, y el admitir que no es lo que uno ve con sus propios ojos, sino lo que se percibe, y no percibimos con nuestros ojos, sino con nuestro cerebro. Hay que estar dispuesto a fallar y a probar... Es como todo en el arte, se pueden aprender los fundamentos de la fotografía muy rápido. Se puede ajustar la cámara en modo automático y arreglárselas bastante bien. De hecho, argumentaría que la persona que espera el momento adecuado, que elige el buen momento, que lo reconoce, que tiene la suficiente curiosidad para encontrarse con los instantes en los que ocurre, eso es lo más importante. ¡La capacidad de reconocer la calidad de la luz, no únicamente exponer de acuerdo a la cantidad de luz, es claramente más importante para el fotógrafo que saber hacer lo que la cámara hacer mejor que uno en nuestros días! Laurent: De acuerdo. Antes hablabas de series, y es la coyuntura perfecta para la próxima pregunta. Me parece personalmente complicado hacer un trabajo coherente durante un viaje, no únicamente por la calidad, generalmente es difícil hacerlo, sino sobre todo porque hay tantas cosas que se captan a ojo, la vida salvaje, la gente, la calle, la luz, tantas cosas... ¿Puedes darnos consejos para producir una serie coherente, preparar un álbum para una exposición, y tener la sensación de que está bien? David: Sí, hay dos cosas, hay que comenzar por lo pequeño. Pensar en hacer un álbum o un libro intimida bastante, incluso yo diría... ¡pffffff! Yo animo a mis alumnos a hacer 12 imágenes, a pensar en términos de 12 imágenes, en aquello que crea una obra coherente, en lo que relaciona las imágenes entre sí, eso no quiere decir que sean homogéneas, que sean idénticas, deben tener un ritmo, un tempo, y un cambio de interés, ¿pero qué las relaciona? ¿Es un tema, una historia particular, el tratamiento de los colores? Las mejores películas tienen una paleta de colores muy unificada. Así que a través de estas 12 imágenes, ¿es una paleta de colores unificada? No necesariamente es el caso, pero puede ser una herramienta para crear un vínculo entre ellas. Podría ser la relación entre lo largo y ancho de la imagen, todas son a 16 x 9, podría ser el blanco y negro... Hay muchas cosas que pueden servir para producir una obra coherente. Y esas son limitaciones extraordinarias para la creatividad. Se comienza por decir que se va a hacer 16 x 9, en blanco y negro, y una vez llegados a la mitad de la serie, uno puede llegar a inspirarse tanto por otra cosa que se deja de lado el 16 x 9 y el blanco y negro. Pero si el 16 x 9 en blanco y negro ha permitido llegar a otra cosa, perfecto. ¡Eso es una victoria! Y lo segundo: hay que volver atrás. Cuando Robert Capa dice que "si tus fotos no son lo suficientemente buenas, no estás lo suficientemente cerca", creo que se refería a la proximidad física, pero se podría añadir que esto implica una intimidad con el sujeto, y que no se puede llegar a ello sin una exposición repetida al sujeto, y con tiempo. Yo he fotografiado en Kenia una vez por año, y creo que con el tiempo, se verá una mayor cohesión en mi obra, o al menos hay tres o cuatro de mis obras unificadas, pero esto se vuelve más potente con el tiempo. Así que vuelvo a Venecia. Muchos fotógrafos de viaje tienen una larga lista, quiere ir ahí, allá, y al otro lado, de acuerdo, también lo he hecho yo, pero creo que fue en mi primer trabajo cuando me dije que me gustaba el lugar, por esto y por lo otro, la obra no es demasiado potente, no sé si necesito volver... Y ahora gestiono mejor mi tiempo y me pregunto si vuelvo a Italia o si vuelvo a Kenia. ¡Sí, visito lugares nuevos, para la exposición y la reexposición, porque tienes el tiempo de enmendar errores, y a veces uno no se da cuenta durante el primer viaje! Te dices que estaba bien, de acuerdo, era un viaje de búsqueda, nada más que eso, aprendí bastantes cosas, tengo una súper idea para la próxima vez. Si alguna vez te regalas la posibilidad de volver a algún lugar, puede que nunca salgas de la fase de aprendizaje. Puedes esperar hasta el punto en el que esté bien y entonces tomas el avión para volver a tu casa. Vas a Islandia y comienzas de cero, y después a Israel, y a Kenia, y a Bahréin, en cada lugar nuevo, comienzas de cero, y esperas justo al momento en el que... Prefiero volver a cualquier lugar, eso no garantiza que el trabajo vaya a ser bueno, pero hay muchas probabilidades. Laurent: ¿Cómo seguir siendo coherente pero sin repetirse? David: Es necesario tomar algunos riesgos, hay que desarrollarse en tanto que persona. Si siempre repites el mismo trabajo, seguramente tengas que cambiar alguna cosa. Ir a un lugar nuevo, no digo dejar de lado esa serie, pero es necesario imponerse nuevas limitaciones. Si llegas a un punto en el que alguien te dice que te repites, si lo único que haces es utilizar un 16-35, entonces coge un 85 y dedícate a hacer retratos. Para salir de la rutina, es necesario que cambies de rumbo o que alguien te incite a hacerlo. No puedes quedarte eternamente derrapando en el vacío. Así que es necesario imponerse nuevas limitaciones, salir, dejar esa serie de lado, no digo abandonarla, sino que hagas otra cosa. Yo siempre tengo dos o tres proyectos personales en marcha, y cuando siento que me atasco en uno, lo dejo de lado, ya volveré a retomarlo, hago otra cosa, pero mi cerebro sigue pensando en ello. Y cuando lo retomo, la obra siempre tiene más fuerza. El trabajo hecho no era tan potente, pero los nuevos esfuerzos en ese proyecto le dan más fuerza. Laurent: De acuerdo, gracias por todos estos puntos de vista. Antes de terminar esta entrevista, hablemos un poco de tu obra, para las personas que estén interesadas. Has escrito varios libros, ¿por dónde empezar? David: Mi preferido es… hay varios en francés, pero mi favorito es Within the frame/L’Âme du photographe, y debo decir que, en francés, parezco mucho más inteligente. Mis libros no son así en inglés, pero los he leído en francés y, como diría Jean-Paul Sartre, es un género fantástico. Que nadie se equivoque, están traducidos. Pero diría que Within the frame o Photographically speaking, o el último en salir, The visual toolbox, estos son los tres que me parecen más personales, pero también he creado toda una serie de libros electrónicos, que se pueden encontrar en craftandvision.com, ¡aunque también se puede visitar mi blog, davidduchemin.com o davidduchemin point com, así es como vosotros lo decís! Laurent: Sí, se entiende David: Mi francés está oxidado, tengo grandes lagunas. Laurent: ¡Es mejor que nada! ¡Gracias David, por todo! Nos vemos para una próxima entrevista en... ¿dos años? David: ¡Sí, vayamos a fotografiar algunos rinocerontes! Laurent: ¡Sí! ¡Y no olvides compartir el artículo! :)  

¿Se puede juzgar una foto? (y cómo)

"¿Qué? ¿Quieres dejar de criticar las fotos? ¡Si es así, no haré nada más que selfies!"
Tras este vídeo que publiqué en francés (no tiene subtítulos en español ¡lo siento!) en el que doy un pequeño tirón de orejas, ha habido muchas reacciones, y también me han hecho algunas preguntas inteligentes. Decía que no hacía falta juzgar excesivamente rápido las imágenes, así como que hay que experimentar. Algunos han preguntado si la experiencia habilitaba a juzgar cualquier cosa, y otros si se podía decir si una foto es buena o mala. Lo cual a fin de cuentas se resume a esto: "¿Se puede juzgar el arte?" Seguir leyendo

Material para un safari fotográfico

23 agosto 2016
En febrero de este año viajé a Kenia para un safari fotográfico. En este vídeo, te enseño lo que me llevé conmigo en el bolso, y te explico por qué he elegido esto concretamente. No es mi intención decirte que "lleves las mismas cosas" (eso sería estúpido), sino más bien explicarte el proceso para que puedas tomar una buena decisión. (Aunque está en francés, os dejo el vídeo por si tenéis curiosidad por ver las imágenes del equipo. De todas formas, os he preparado una transcripción en español para que podais seguir todas las explicaciones.) Listado de todo lo que me llevo:
  • Bolso Filson Photographer’s Backpack
  • 2 Canon EOS 5D MkIII + una empuñadura
  • Sigma 150-600 mm f/5-6.3
  • Canon 16-35 mm f/4
  • Panasonic GX8
  • Olympus 12-40 mm f/2.8
  • Olympus 9-18 mm
  • Olympus 45 mm f/1.8
  • Panasonic 35-100 mm f/2.8
  • “Bean bag” Gura Gear Sabi Super
  • Un trípode Sirui T-1204X (no para el safari, no sirve de nada)
  • Filtros Lee Seven5: ND1000, degradados gris neutro y polarizador
  • muchas baterías y tarjetas de memoria
  • Un ordenador portátil + 2 discos SSD Samsung T1
  • 3 adaptadores de corriente
Como puede que ya sepas si has leído mis emails últimamente, pronto viajaré a Kenia, para un safari de diez días con David Duchemin, un gran fotógrafo y profesor canadiense. Nos vamos diez días con la idea de fotografiar la fauna africana –también pienso en África a secas–, por lo que en esta ocasión me llevaré un bolso un poco distinto al que suelo utilizar. Normalmente llevo uno bastante ligero: para una híbrida, dos o tres objetivos, y listo. En este caso, me voy a equipar más, porque para fotografiar la fauna salvaje se necesita un material más evolucionado en diversos aspectos. De modo que he querido enseñarte el material que voy a llevar; me parecía interesante porque he reflexionado bastante sobre lo que me convenía y por eso he querido compartirlo hoy con vosotros. Para empezar, es necesario que describa un poco el viaje que haré: como ya he dicho, me voy diez días de safari fotográfico, así que estaremos la mayor parte del día en grandes Range Rover, desde donde fotografiaremos la fauna. Luego pasaré dos o tres días con una ONG, World Teacher Aid, dedicada a construir escuelas en Kenia. Haré fotos para ellos. Será algo diferente, más tipo reportaje, y por eso necesitaré cosas diferentes. (Volveré sobre ello más adelante en el vídeo). También iré quince días a Tailandia, sobre todo para visitar a amigos, pero también para descansar, estar más tranquilo y tener tiempo de dedicarme tiempo para mí y centrarme en los proyectos que tengo en mente para este año; esto me parece bastante importante. En Tailandia estaré menos en modo fotógrafo, aunque obviamente me sorprendería no hacer ninguna foto. También hay que pensar en eso cuando uno elige su material: en el viaje en toda su integridad.

Bolso fotográfico

Para empezar, el bolso fotográfico. Lo tengo justo aquí. Es un bolso de la marca Filson, el modelo Filson Photographer’s Backpack, marca que ha concebido sus bolsos de forma conjunta con grandes fotógrafos; especialmente el famoso Steve McCurry, quien hizo la famosa foto de la joven niña afgana de ojos verdes que de buen seguro conoces. Es un bolso que he elegido, en primer lugar, porque se adaptaba bien a mis necesidades. No quería elegir algo demasiado grande para evitar la tentación de llevarme demasiado material. Ya ves que todo cabe bien, en su lugar. Todavía queda espacio en el bolsillo de arriba, aquí, así que este bolso me servirá tanto para el transporte en cabina como para cuando esté en el lugar, cuando saque el cargador y otras cosas –no meteré todos los cargadores, pero obviamente llevaré bastantes, volveré a ello–, lo utilizaré para transportar el material durante el día. Será relativamente compacto, no demasiado pesado –está hecho de tela, así que no pesa mucho–, pero resistente, porque Filson es una marca excelente de bolsos. Evidentemente no son baratos, pero tienen garantía de por vida, así que si dentro de diez años se rompe una correa, puedo ir a verlos y me lo repararán sin costo. Es un buen servicio de atención al cliente, así que el precio está justificado. Reconozco que no me gustan demasiado los bolsos de material plástico negro, quería algo que también fuera bonito, esa es mi elección, aunque se pueden encontrar otros que se adaptan perfectamente a este tipo de viajes, y que son menos caros. Este es el bolso que llevaré, y ahora te enseñaré el material.

Material

Cámaras

En primer lugar, en lo que se refiere a las cámaras, voy mucho más cargado de lo habitual, ya que normalmente voy con una híbrida, y en este caso llevaré tres cámaras conmigo. ¿Por qué? Primero, tengo esta 5D Mark III que ves aquí, con su empuñadura, que me permitirá tener mayor autonomía con la batería, pero también me ayudará a sostenerla mejor en orientación vertical, cuando saque ese tipo de fotos con este gran zoom que ves aquí y del que te hablaré a continuación. Eso me permitirá sostenerla mejor, así que he decidido llevar la empuñadura. La primera que he elegido es 5D Mark III, y David nos ha dicho "llevad una segunda cámara, porque si falla una; algo raro, pero si ocurre, te encontrarás en medio de la sabana con cosas magníficas para fotografiar y no tendrás el material necesario para hacerlo". Sería una verdadera lástima. Así que he elegido una segunda 5D Mark III –que no puedo enseñarte ahora porque está grabando en este momento; en el bolso la he reemplazado por una 7D, para el ejemplo, ya que más o menos tienen el mismo volumen–, y también elegí una híbrida de la que te hablaré luego.

Los objetivos

En lo referido a los objetivos, para las dos réflex Canon, el primer gran objetivo para fotografía de fauna que he elegido es el Sigma 150-600 mm. En este caso no lo he comprado, porque voy a Kenia por diez días y es poco probable que me sirva de mucho después. Sigma me lo ha prestado. Evidentemente, probablemente no tengas la posibilidad de que Sigma te preste material, pero es un tipo de objetivo que se puede alquilar; para viajes como este, si quieres evitar gastarte 1.000 € en un objetivo concebido únicamente para la fotografía de animales y que no necesariamente te será útil en tu práctica cotidiana, te recomiendo que lo alquiles, ya que cuesta mucho menos –gastarás entre 100 y 150 € para alquilar el objetivo dos semanas, y de esta forma no se verá comprometida la calidad, porque si compras objetivos nuevos te costaría 1.000, 2.000 o 3.000 euros o más. Tendrás un objetivo excepcional por un precio absolutamente ridículo, e incluso si no lo conservas después, no será dinero perdido, ya que lograrás mejores imágenes que si comprases un objetivo por el triple de precio. Para mí, lo fundamental son las imágenes, por lo que si no me lo hubiesen prestado, sin duda habría alquilado un gran teleobjetivo para el viaje en lugar de comprar uno nuevo, más que nada porque probablemente no me hubiese servido de nada después. Con el Sigma 150-600, podré llegar hasta 600 mm. Es un aumento verdaderamente enorme, realmente no se necesita más. David nos ha dicho "llevad como mínimo un equivalente a 300 mm", y yo contaré con uno dos veces más grande del que lleve él: el lleva uno que alcanza 300 mm. Quería poderme acercar. Puedes ver que una vez desplegado –aquí con la visera– ocupa bastante, aunque afortunadamente se puede plegar, y podré fotografiar la vida salvaje. Este será sin duda el objetivo que voy a utilizar más durante el viaje; también es el que más espacio ocupa y el más pesado, pero vale la pena. El segundo objetivo que llevaré para las réflex es un 16-35 mm f/4. También está grabando ahora, así que no puedo enseñártelo, pero básicamente es un ultra gran angular que me permitirá hacer fotos de paisaje como yo quiero; cuando esté en el bolso, lo montaré en una 5D Mark III, el volumen será más o menos el mismo que éste que ves aquí. Eso en lo referido a los materiales para las réflex, que serán mi equipo principal durante este viaje, pero dado que todavía me quedaba un poco de espacio y, tal y como ya te he dicho, haré un trabajo de reportaje con los niños de las escuelas, y no quiero llevar una enorme réflex porque podría intimidar un poco. Imagina el tamaño de la cámara con el objetivo grande y mira como queda: no hay una relación directa con el sujeto que, creo, es mejor para este tipo de fotos. Por tanto, quería contar con un equipo más discreto que me permitiese un mejor contacto gracias al enfoque por pantalla. En resumen, he elegido mi híbrida habitual. Así que también me llevo la Panasonic GX8 y el objetivo 12-40 mm f/2.8, un zoom transestándar que me permitirá hacer muchas cosas, y que me también me servirá durante el safari. Si en algún momento necesito una focal entre un equivalente 24-110 como esta, pues bien, la tendré a mano, sólo tendré que sacarla del bolso, encenderla y disparar de inmediato, sin necesidad de cambiar el objetivo. Es una ventaja en esta situación. Me servirá sobre todo para fotografiar las escuelas de World Teacher Aid y quizás en Tailandia; creo que me servirá un poco menos durante el safari, pero siempre va bien tenerla. También llevo dos pequeños objetivos, y es que son tan pequeños que sería una lástima privarse de ellos. He elegido un ultra gran angular. Ciertamente, ofrece lo mismo que el 16-35 mm de Canon, pero tengo filtros que son compatibles –para Micro 4/3– con los objetivos que uso en la GX8, por lo que, si quiero hacer fotos con este filtro, necesito este objetivo. Y dado que pesa unos 130 gramos, puedes imaginarte que un kilo de material, hablando de objetivos, no es gran cosa. Así que me llevo este y también una pequeña focal fija para retratos –de nuevo, porque no costaba demasiado–, la Olympus 45 mm f/1.8, equivalente a 90 mm en full frame, que funciona muy bien, que tiene una bonita óptica y permitirá sacar fotos-retratos de niños. Sé que si no dispongo de este tipo de objetivos, que podrían servirme, me arrepentiré. No lo habría llevado si necesitase un gran objetivo para la réflex, pues me habría preguntado si realmente me serviría de algo. En este caso, dado que no pesa casi nada, puedo llevarla conmigo sin que el peso aumente prácticamente.

Los accesorios

Hay otra cosa de la que me gustaría hablar y que es muy importante. En este caso, en Kenia, no necesariamente contaremos con electricidad todas las noches –en principio sí, pero David nos ha dicho "sed prudentes, llevad suficientes tarjetas de memoria y baterías para sobrevivir dos o tres días, para aseguraros de no caer en la frustración". Así que llevaré muchas baterías. Aquí, tengo cinco baterías, más las dos que van en la empuñadura, más otra en la cámara que está filmando ahora. Eso suma ocho baterías en total. Normalmente, eso debería bastar, pero me he dicho que finalmente, ya que no pesa demasiado y ya llevo mucho material, de forma que sobre todo me asegure de no frustrarme. Imagina: el tercer día sin electricidad, llegarás al final del día, habrá una bonita puesta de sol, los leones no demasiado lejos y en una actitud magnífica, y no te quedarán baterías. Es una verdadera pena, así que he pensado que era indispensable contar con suficientes baterías –y ahí, ya tengo el depósito lleno– que estarán, obviamente, completamente cargadas en el momento de mi partida. También he llenado de tarjetas de memoria estos estuches de marca PNY que son bastante resistentes. Me he dicho que era mejor que estuviesen protegidas. Tengo tarjetas de memoria para las réflex –tarjetas CF–, también tarjetas SD (porque las réflex también llevan una ranura para la tarjeta SD), y también para la híbrida. Aquí tengo varias, y durante el viaje tendré un estuche con las tarjetas llenas y otro con las vírgenes, de forma que pudiese saber en cuál meter la vieja y de cuál coger la nueva, así no me equivocaré y me aseguraré de no tener que borrar nada o cambiar la tarjeta tan a menudo. Esto es una cuestión de "supervivencia", porque no necesariamente habrá electricidad todo el tiempo. Otro accesorio indispensable es lo que llamamos un "bean bag"; en castellano algo así como "una bolsa de judías blancas". La idea es llenarla de algo de forma que sea a la vez estable, pero mullido, para que se pueda apoyar la cámara encima. Por ejemplo, podrá sostenerse al principio de esta forma, y podré apoyar la réflex ahí. Esto es una "bean bag" de la marca Gura Gear, que he terminado por encontrar en Francia en la página Objectif Bastille. Presta atención, aunque en la foto aparezcan las bolsas que vienen con la cámara, normalmente no se venden juntas, así que tendrás que comprar las bolsas aparte. Estas bolsas parecen grandes y pesadas, pero en realidad son muy ligeras. Tienes la posibilidad de no llevarla llena y rellenar una "bean bag" allí directamente comprando arroz o lentejas. Es una solución muy válida. Para este caso, David nos lo ha desaconsejado, ya que dice que probablemente necesitaríamos varios días para encontrar la cantidad necesaria de arroz para todo el mundo. Así que más bien llévalo contigo. Irá guardado en mi maleta, no en el bolso fotográfico, si no, no habría espacio. Una vez allí, llenaré la "bean bag" con arroz, y justo antes de partir de Kenia, la vaciaré, me desharé del arroz, lo tiraré, porque ocupa demasiado espacio. Así que llevaré el "bean bag" doblado en el bolso, ya que no ocupa casi nada, y no tendré que volver a comprarlo la próxima vez que vaya a Kenia –aunque no sea de inmediato–, y además no cuesta realmente demasiado. Creo que las dos bolsas me costaron 10 €; no es gran cosa, son cáscaras de semillas. Es realmente imprescindible para fotografiar en los jeeps, porque obviamente un trípode en el jeep no funcionará muy bien, y esto se apoya con mayor facilidad, es más compacto, también más fluido y fácil de mover. Verdaderamente ofrece muchas ventajas. Otra cosa, evidentemente necesitarás todos tus cargadores. Yo, por ejemplo, me llevaré dos cargadores para las baterías de las réflex porque no quiero recargar sólo una a la vez, se tarda demasiado. Y luego un cargador para la híbrida y otro para aquello que necesite de más. Piensa en todo. Y piensa también en los adaptadores, es importante. Este es una adaptador universal que me ha acompañado a todos los rincones del mundo, porque, realmente, puedes conectar todo lo que quieras y enchufarlo adónde quieras. Aquí tienes la parte norteamericana con las dos pequeñas tomas, tienes la parte británica que me servirá en Kenia, porque en Kenia los enchufes son de tipo británico como este de aquí. Ahora tengo uno, pero acabo de pedir otros dos en Amazon para poder recargar varias cosas a la vez; porque si quiero cargar las baterías, el ordenador y otras cosas, tengo que hacerlo todo al mismo tiempo, y para mí es importante contar con varios adaptadores de este tipo. Esto realmente es súper importante. Lo aclaro –sé que los viajeros como tú lo saben–, porque es interesante saberlo. Una última cosa: también llevaré algo para guardar mis imágenes, porque las tarjetas de memoria que he elegido serán insuficientes para todo el viaje, así que llevaré conmigo el ordenador; siempre lo llevo en viaje porque trabajo a través de Internet, y es importante tener siempre un ordenador a mano. No puedo irme un mes sin administrar el blog, etc. Siempre lo llevo por costumbre. Cabe en el bolso, aquí mismo tiene un compartimento pensado para el ordenador. Y también llevo algo con lo que hacer copias de seguridad, porque el disco duro de mi MacBook Air es de 512 GB y no basta para sostener el sistema, con los archivos propios y con todas las fotos y vídeos que voy a descargar. Evidentemente, dado que voy a hacer vídeos para ti, eso ocupa mucho lugar, así que me llevaré dos discos como estos de aquí. Son SSD. La ventaja es que es muy pequeño –ves que mide casi como las llaves USB–, es muy delgado, ligero –no pesa nada, como mucho 30 gramos–, en mi opinión también es más resistente a los viajes, porque un disco duro normal, si se mueve mucho, puede ser sensible a los golpes, las vibraciones, etc., mientras que un SSD, no. Es como una gran llave USB, concretamente, la tecnología es la misma, pero si se te cae, no tienes por qué preocuparte demasiado. Llevo dos para tener suficiente capacidad; antes había comprado uno de 500 GB para los viajes, ahora llevo uno de 1 TB, porque con los vídeos, puede llenarse muy rápido, y he preferido asegurarme de que no me faltaba espacio, y luego podré hacer una copia de seguridad: prefiero tener dos copias y, por ejemplo un SSD en mi bolsillo, y el otro en la maleta que dejo en la habitación, para asegurarme de no perder nada. Es mi lado un poco paranoico. Los SSD no son gratuitos, lejos de eso, cuestan bastante más caros que los discos duros normales, así que no hace falta que te digas que necesitas un SSD ahora mismo. Es una solución, si tienes los medios para aplicarla, por qué no, pero recuerda que este vídeo está grabado en 2016 y que probablemente en 2018 el precio será el mismo que un disco duro normal y podrás, en cualquier caso, acceder muy pronto a ellos porque el precio baja rápidamente. Última cosa, también llevaré algo de material para grabar vídeos. Sin duda, me llevaré una GoPro –que en este momento le he prestado a un amigo– con una ventosa enganchada en el coche para mostrarte imágenes del lugar, y además, llevaré una pequeña cámara conmigo, la DJI Osmo, que es como una cámara-drone, muy estable y que permite filmar vídeos con mucha estabilidad para mostrarte todo esto durante el viaje. Tal y como puedes ver, es un poco como Wall-E, una cámara bastante divertida, y produce una calidad muy interesante gracias a la estabilización; ves que si hago esto, no se mueve. Digamos que es mi pequeño accesorio para los momentos vídeo, me dan muchas ganas de grabar porque se pueden hacer muchas cosas con ella. Y la puedo mover fácilmente y mirarte. Pues eso, mi pequeño juguete extra. Si bien ocupa un poco de lugar para mi gusto, vista la tecnología, es difícil hacerlo más pequeño. Pero dado que todavía tengo lugar en el equipaje, aprovecho para llevarla y mostrarte muchas imágenes de Kenia. Esto es todo, espero que te haya gustado este vídeo y que te ayude a construir tu bolso fotográfico para viaje. En este vídeo elijo mucho más material del que es habitual para mí, para demostrarte que depende mucho de la situación y que hay que tener en cuenta, obviamente, qué tipo de fotos vamos a hacer, las situaciones fotográficas en las que nos vamos a encontrar, así que no copiéis exactamente lo que yo hago, eso no tendría sentido. Sólo era para enseñarte el proceso de reflexión, cómo yo he construido mi bolso fotográfico para este viaje. Si tienes preguntas, sobre todo no dudes en dejarlas justo después del vídeo. Si no contesto de inmediato, no te preocupes, o estaré en el avión de camino a Kenia o sin fijarme demasiado durante varios días, pero responderé lo antes posible. Y no olvides suscribirte al canal de YouTube si quieres ver los próximos vídeos. ¡Nos encontramos en Kenia, de aquí a allá, os digo hasta pronto, y buenas fotos! ¡Y no olvides compartir el artículo! :)  

Cómo apreciar bien los museos (y enriquecer tu práctica fotográfica)

"¡Ey, se parece a mí!"
Como ya debes saber si me sigues, suelo viajar bastante. En cada gran ciudad que visito, me digno a visitar al menos un museo, pues son una gran inspiración para mí. Ahora bien, me doy cuenta de que muchos visitantes tienen una actitud que no les permite apreciar plenamente las obras expuestas. Me gustaría aportar mi granito de arena y ayudaros a apreciarlas al máximo y enriquecer así vuestra práctica fotográfica. Seguir leyendo

Fotografía instantánea

Una esquina cualquiera en la calle, hojas con colores otoñales iluminadas por el sol, o el edificio que sirvió para la carátula de Physical Graffiti de Led Zeppelin. Cosas sencillas y sin grandes pretensiones :)
Cuando viajé a Nueva York el pasado otoño, decidí llevar conmigo no sólo una cámara, sino dos. La segunda era un poco particular: una cámara instantánea. Nueva York me parecía un laboratorio ideal para experimentar con la espontaneidad y la magia de lo instantáneo, y quería animar mi práctica fotográfica con algo nuevo (no hay que dormirse en los laureles nunca). Y lo mínimo que puedo decir es que no me decepcionó. Seguir leyendo

Entrevista a Matt Granger: fotografía de desnudos, encontrar modelos, guiarlos

Durante mi estancia en Nueva York, tuve la ocasión de encontrarme con Matt Granger para hacerle una entrevista. Es uno de los mayores youtubers de fotografía del mundo. Pudimos hablar acerca de la fotografía de desnudos. Aproveché la oportunidad para sacarle algunos consejos que os pueden ser de gran utilidad ;) [Aunque la introducción del vídeo está en francés, toda la entrevista es en inglés por lo que os dejo el vídeo así como una transcripción traducida.] Hola a todos, bienvenidos a este nuevo vídeo de Curso de Fotografía. Me encuentro en Nueva York, junto a Matt Granger, con quien he participado en un taller de fotografía de desnudos. Es mi primera vez, por lo que he podido aprender bastantes cosas. Decidí entrevistar a Matt porque es uno de los youtubers de fotografía más importantes del mundo –lo cual no es poco–, y hablamos concretamente sobre fotografía de desnudos. Laurent: ¡Hola Matt! Matt Granger: ¡Hola! Laurent: ¿Puedes comenzar contándonos tu historia? ¿Qué representa para ti tu trayectoria fotográfica? Matt: ¿Quieres la versión larga o la corta? Laurent: Algo a medio camino, ni demasiado largo ni demasiado corto. Matt: Mi padre era un fotógrafo amateur, un amateur de altos vuelos. Cuando yo era niño, viajábamos mucho debido a su trabajo, y algunos de mis primeros recuerdos me trasladan a un momento en el que estábamos a punto de entrar a una tienda de fotografía o a cuando nos encontrábamos de paso por los Estados Unidos; su madre era una prolífica fotógrafa: no había muchas cosas rescatables, pero ella gastaba un rollo de película por día. A partir de los cinco años de edad, comencé a heredar sus cámaras, por lo que siempre tenía cámaras y juguetes nuevos. Estudié fotografía en el liceo, cuarto oscuro y todas esas cosas, y creo que fue esa la primera vez en la que realmente pensé sobre lo que hacía, sobre las fotos que sacaba, y me di cuenta de que consistía en bastante más que presionar el botón de disparo. Luego dejé de lado la fotografía para conseguir mi primer diploma en la universidad, aunque en mi segunda carrera, hacía películas, por lo que en ese momento di un paso más adelante. Más tarde, comencé a hacer trabajos remunerados. Estaba asalariado y paralelamente hacía fotografía. Después conseguí un trabajo en una empresa en el cual la fotografía era parte de mis tareas, y finalmente pasé a hacer fotografía a tiempo completo. Laurent: Tú haces mucha fotografía de desnudos, razón por la cual estoy hoy aquí. ¿Por qué desnudos? Matt: ¿Te ha gustado? Laurent: Sí. Matt: Esa es una de las razones, sin duda. Saco fotos de personas, por tanto hago retratos, y además, sobre todo, desnudos; creo que los desnudos, son en realidad como los retratos pero con esteroides. Todo es más complicado: se deben establecer relaciones y acercarse a la gente con mayor rapidez, y en lugar de iluminar sólo una parte de la persona, hay que pensar en los contornos y las curvas del cuerpo de la persona en cuestión, así como en la inseguridad que pueda sentir con el conjunto de su cuerpo, y no simplemente en lo referido a su rostro. Aunque si haces bien esto, creo que es lo más bonito que existe. Y ya sabes, probablemente… ¿La gente que te sigue es francesa o…? Laurent: Sí, la mayoría son franceses, algunos de Québec, algunos de Suiza y Bélgica, pero todos ellos francófonos… [ahora también de habla hispana]. Matt: De acuerdo… Muchos artistas separan toda forma de desnudez de la sexualidad, tengo la impresión de que es algo muy americano. Dado que se trata de arte, esto no tiene nada de sexual, y creo que es algo ineludible en Norteamérica para que la desnudez sea aceptable. Y eso no tiene ningún sentido, porque todos reproducimos lo que somos y todos nos sentimos atraídos por un tipo de cuerpo, y, por supuesto, una parte de la belleza proviene del hecho de que se trata de un cuerpo desnudo. Hay algo de puritanismo en el hecho de pensar que sólo son formas, eso es falso. Bueno, no lo es…, ya sabes, "bello"… no necesariamente significa tener un cuerpo como el de Pamela Anderson, pero cualquier tipo de cuerpo bien fotografiado es una manifestación fundamental de la belleza. Laurent: La mayoría de mis lectores son principiantes, y creo que un 99% jamás han hecho fotografía de desnudos. De hecho, ni yo mismo había hecho hasta esta tarde, y ellos me hacen preguntas porque les dije por Facebook que me iba a encontrar con Matt Granger: ¿qué querían saber? Y una de las preguntas que más me ha sorprendido es esta: "¿Cómo encontrar modelos?" ¿Cuál es la mejor forma de encontrar modelos y modelos gratuitos, porque cuando uno comienza, no quiere pagar, y si se paga, cómo funciona, cuál es la mejor forma de empezar? Matt: Bueno, existen numerosos enfoques posibles. Da la casualidad que he publicado una guía titulada Cómo encontrar y cómo trabajar con modelos, pero eso también depende del lugar del mundo donde uno se encuentre. Existen muchas comunidades de modelos, en ciertos países, todo está en Facebook, lo cual puede sorprender; en Malasia, habrá un grupo de modelos en tal ciudad que hacen fotos de moda o de desnudos, o que hacen esto o aquello; en otros países, habrá páginas web donde encontrar modelos, o agencias. ¿Cómo es en Francia? Espera… Existe una página muy conocida para los portfolios de modelos, me hice miembro cuando estaba en Francia… Laurent: ¿Cómo Book? Matt: Bien podría ser, Book, sí, y en Reino Unido hay otro. Ser miembro, con un perfil en el que la gente pueda consultar tu obra, es importante, sobre todo si haces retratos y quieres pasar a los desnudos; por las razones que acabo de mencionar, es más complicado, más difícil, pues existe obviamente la posibilidad de que la gente se sienta explotada o insegura. Por tanto, en primer lugar, hay que tener un buen portfolio de retratos, con una idea bien precisa de las fotos que quieres hacer, que contenga fotos que sirvan de ejemplo, ya sabes, como aquellas que hemos visto en el taller de hoy; la gente viene con fotos, porque son el tipo de cosas que se quieren recrear. Es necesario establecer unos límites claros: esto será muy implicado, esto será un desnudo integral, en esa se puede llevar ropa interior, etc. Se puede hacer un contrato que indique con claridad lo que va a ser o no expuesto. Ya sabes, muchas personas se sienten cómodas en topless o con el torso desnudo, pero no quieren mostrar sus partes íntimas. Y sí, eso lleva tiempo. Pero si quieres un súper modelo y no quieres pagar, eso no funcionará… A menos que seas un fotógrafo genial... Ambas partes han de beneficiarse, así que si los modelos piensan que será provechoso para ellos trabajar contigo, pues muy bien, pero al mismo tiempo, de igual forma que un fotógrafo odia que le digan "deberías hacer este trabajo gratis, eso hará que la gente se interese por tu trabajo", los modelos también odian que les digan esto. En definitiva, tú no quieres hacer una sesión gratis, el modelo tampoco, sobre todo si el trabajo es muy artístico, o, si está mal hecho, puede caer en la vulgaridad o en la explotación (sexual). Por tanto, dispón de un portfolio y de una idea bien precisa de las fotos que quieres sacar. Laurent: Agrego algo. Ayer por la tarde, teníamos modelos profesionales y era la primera vez que yo hacía fotos de modelos desnudos, imagino que como la mayor parte de nosotros. Realmente es más fácil, porque los modelos posan muy bien, y uno no tiene necesidad de hacer las cosas para ver qué sale. En ocasiones se los puede guiar, pero si no se hace, tampoco pasa nada, y creo que con un modelo amateur, hubiese sido mucho más difícil para comenzar. Matt: ¡Mucho más! Puedes practicar con tu pareja, sin insertar la tarjeta de memoria en la cámara, pero imagina que eres tú mismo el que está desnudo, a punto de ser sacado en fotografía por un desconocido y con esa extraña pose; si es un modelo principiante, al que no vas a pagar, y ambos lo hacéis para ganar experiencia, puede resultar difícil para los dos. Por tanto, conviene pagar algo de dinero, quizás agrupándose, por ejemplo, cuatro personas para poder remunerar a alguien que no tiene experiencia. Por eso −y me alegra que la pregunta surgiese durante los talleres− siempre utilizamos modelos que tengan mucha experiencia, que hayan hecho eso cientos veces, para que puedas permitirte el lujo de quedarte bloqueado tras la cámara durante cinco minutos mientras buscas lo que quieres hacer, y que los modelos sigan sintiéndose cómodos. Creo que es súper importante durante una sesión de desnudos, porque cuando se instala una sensación de malestar, es muy difícil deshacerse de ella. Y eso, ya sea creado por el fotógrafo, o el modelo, o alguien presente en el lugar, siempre resulta molesto. ¡Por tanto, si al menos la mitad del grupo está completamente relajado, eso resulta de gran ayuda! Laurent: De acuerdo. En lo referido a posados y a consejos para principiantes... ¿Cómo hay que empezar? Si debutan con un profesional, eso suele facilitar las cosas, pero si quieren dirigirla, guiarla un poco, ¿por dónde deben empezar? Matt: Bien. Entonces me voy a poner en la piel de un principiante, lo primero sería contar con ejemplos fáciles de seguir, lo segundo sería "hagamos un pequeño ensayo": si digo "muévete a la derecha", ¿qué haces? De acuerdo. Hay personas que únicamente giran la cabeza, otras giran los hombros, otras la cadera, y otras todo el cuerpo, tal y como tu acabas de hacer. En primer lugar, es necesario que el modelo comprenda con claridad lo que quieres decir, ¿tu derecha o su derecha? Así que a menudo conviene apuntar con la mano hacia la dirección que quieras mientras dices "¿puedes moverte para allá?", creo que es lo más sencillo si no tienes ejemplos a seguir, hay que nombrar las partes del cuerpo y decir que los pies apunten hacia la puerta, que gire los hombros en dirección a la cámara, los ojos hacia la fuente de luz, el mentón, que es otra parte de pivotaje importante, o, de hecho, cualquier parte móvil del cuerpo. Para las poses del modelo, hoy mismo, por ejemplo, le hemos dicho que apunte los pies hacia la ventana, el culo hacia el techo, los hombros para allá y los ojos mirando hacia la cámara. Espero que se entienda, sin tumbarse en la cama para hacer una demostración, será imposible hacérselo comprender si no ha posado nunca antes. Laurent: Es un poco lo que yo he hecho, alguna vez que otra he tenido problemas para expresarme con claridad, y ciertamente es muy importante ser preciso al nombrar la parte del cuerpo que el modelo debe mover. Matt: Y los detalles también están bien. A menudo diré "no te muevas", si quieres que alguna parte no se mueva, dilo desde el principio. No digas "muy bien el cabello, no lo muevas”. Di "no muevas la cabeza", "mantén la cabeza exactamente en la misma posición y levanta la rodilla izquierda", o algo parecido, porque en el momento que dices "el cabello", la gente directamente se toca o se mueve de forma instantánea, y si es justamente lo que querías que no moviese… Lo que tienes que hacer es comenzar la frase por "no muevas". Laurent: De acuerdo, tengo otra pregunta muy precisa de Kévin. Matt: Te escucho. Laurent: Lo que pregunta es muy interesante. A) ¿Tienes una idea de las fotografías que quieres hacer y luego encuentras el modelo adecuado?, o B) ¿Te adaptas a los modelos, es decir, contratas a uno y luego te adaptas en base a su cuerpo y creas fotos sobre la marcha? Matt: Se pueden hacer las dos cosas, eso depende. Si te han contratado para hacer fotos para un cliente y quiere ciertas cosas, es necesario dejarlo todo claro de antemano. Si es el modelo el que te ha contratado para una sesión, ya sabes quién manda; si tú contratas a un modelo, también lo sabes; si se trata de una colaboración, la mayoría de proyectos son bastante abiertos, así que me suelo adaptar. Por ejemplo, mañana tengo que encontrarme con una modelo para un proyecto. Subiremos al tejado y veré cómo se siente más cómoda, veremos qué fondo podemos encontrar, donde está el sol a esa hora, y nos las arreglaremos para que funcione. Pero ocurre todo el tiempo y no sólo con fotógrafos, ya lo sabes. Si llega un nuevo contable o un nuevo director que trabaja de forma distinta, es necesario adaptarse. Hoy hemos tenido dos modelos, una que en mi opinión era fantástica y otra más bien difícil que no seguía bien las consignas. Al final, a pesar de todo, creo que ella se ha adaptado mejor. No paré de darle feedback y de pedirle a la gente que les enseñasen las fotos, y mediante un enfoque distinto, hemos logrado hacer todo lo que necesitábamos; pero cuando no se ha trabajado nunca con alguien, no se puede saber cómo será… Laurent: Sí, nunca se sabe. Para concluir esta entrevista, háblame de tus libros; tenía entendido que habías sacado varios libros, pero no sé cuántos, así que háblanos de tu obra, de tus libros. Matt: Por ahora he sacado dos. Private Bodies fue el primero: gente corriente desnuda en sus casas. Todos los libros representan a hombres y mujeres, a parejas, todos de más de 18 años. Habitualmente más bien tendemos a buscar gente de 18 a 35 años, con una buena condición física, porque suelen hacer deporte todos los días y les encanta mostrarse, pero he sacado fotos con gente de hasta 60 años, de todos los tamaños y formas. Eso para Private Bodies. Y el segundo es Public Bodies, con fotografías sacadas en lugares públicos; hicimos fotos en medio del Central Park, y en el exterior del Louvre de París, y en muchos más lugares. Laurent: ¿Tuviste problemas haciendo esto, quiero decir alguna vez, con la policía? Matt: Sólo una vez en Australia. Pero en la mayoría de lugares... Bueno, así es cómo yo veo las cosas: técnicamente, es ilegal, y en algunos lugares es la policía la que decide. No hay muchos países en los que se ponga una multa por este tipo de cosas y, seamos honestos, la persona que más se arriesga es el modelo. Por eso siempre soy muy claro con los modelos. Pero imaginemos: sacamos fotos en Nueva York, tanto tú como yo, y después tú te desnudas, y yo te sacos fotos, o viceversa. Pasarán diez personas y la mitad no se darán ni cuenta. Laurent: Sí… Matt: En la ciudad, la gente no se mira, y de cinco personas, una podría sacar su teléfono, y las otras seguirían por su camino, porque piensan que es alguien raro. Las probabilidades de que la persona que se pare se sienta ofendida, son bastante bajas, y las de que se sienta ofendida hasta el punto de llamar a la policía, son casi nulas. Tienen cosas mejores que hacer que tratar de encontrar a un francés y a un australiano corriendo por las calles. Hay cosas más importantes, ya sabes. Y a fin de cuentas, en mi forma de sacar fotos, no se intenta ofrecer un espectáculo. El libro era un poco un manifiesto: ¿por qué el cuerpo debería pertenecer al ámbito de lo privado? Ya sabes, todo el mundo tiene un cuerpo, cuerpos muy diferentes, pero... a fin de cuentas, todo es lo mismo. Yo mismo me he desnudado para otro fotógrafo y fue una foto en la que habían algo así como 5.000 personas, y cuando te encuentres con tanta gente, en un grupo con tantísima gente, es como si estuvieses en un lugar concreto de un vasto abanico. Hay gente más alta y delgada, más pequeña y más gorda, más oscura o más blanca, y todo lo que quieras imaginar; tú sólo eres un punto de este gran abanico, y crees que eso no es nada, que cuando hay un grupo tan grande, ese punto no tiene nada de extraordinario. Así que quería hacerlo en público, no para ofender a la gente, no pretendía impactar a la gente. De hecho, la mayoría del tiempo, nadie se dio cuenta. En el momento del disparo, hemos tenido dos o tres incidentes con la seguridad. La primera vez fue en el Louvre, nos silbaron, nos fuimos y no nos siguieron. Las otras dos veces fueron en Sídney, y sólo fue un "¿qué hacéis?". Eso es todo. Laurent: Bueno, sí. ¡No está mal! También dinamizas cursos, talleres, y la mayoría de mis lectores no hablan inglés, pero algunos sí, y podría interesarles. Matt: Bueno, si habéis oído hasta ahora… Eso es buena parte de mi actividad actual, realizo encuentro cara a cara como éste, así que me encontraba en Nueva York para encargarme de la iluminación y de mis retratos íntimos. Laurent: ¿Vienes a Francia? Matt: Normalmente voy una vez al año, aunque en realidad nunca he organizado un taller, pero con cada uno de mis talleres, tengo series descargables e intento que sean lo más interactivas posibles. Ya sabes, el desnudo lleva más tiempo que el que le hayamos podido dedicar esta tarde, y hacemos una en casa y otra en un departamento, en exterior, con tonos poco oscuros, modelos de talla XXL, todo tipo de figuras y todo tipo de situaciones de iluminación distintas con las que es necesario trabajar, y además hay un montón de ejercicios que la gente debería hacer. Así que tengo éste, la versión light; mis series de fotos, y también una guía Debutar con modelos. Laurent: De acuerdo, entonces voy a poner el enlace al final del vídeo, para verlo o comprarlo... ¡Matt, gracias por esta entrevista, gracias por acogerme aquí! Matt: Por favor… Laurent: ¡Nos vemos en algún lugar del mundo! Matt: En París, espero. Laurent: ¡En París! Si haces algún taller, envíame un email y lo anunciaré. Matt: ¡Gracias a todos! Laurent: ¡Hasta pronto y buenas fotos!   ¡Y no olvides compartir el artículo! :)  

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